Tras la review de Sightseers, es momento de otra recomendación más saluda de esos agotadores diez días en los que visioné unas cuarenta y seis películas… si no me equivoco. Hay que destacar que estamos ante otra de las sorpresas o joyas del Festival de Sitges de este año. Safety No Guaranteed (2012) de Colin Trevorrow es un curioso film independiente de "ciencia ficción", más bien tragicomedia romántica, donde un equipo de periodistas de una revista / periódico reciben el encargo de seguir la pista de un extraño anuncio donde un misterioso tipo solicita compañero para un viaje en el tiempo. Con esta premisa Trevorrow nos atrapa en una aventura donde el Macguffin de un posible viaje temporal da pie a meternos más de lleno en la vidas de los cuatro protagonistas y así descubrir sus esperanzas, miedos, o errores / aciertos del pasado. De paso demuestra como los imposibles sueños de nuestra realidad pueden acabar transformados en auténticas verdades… cosa que mola un montón. Y ojo, porque lo más curioso del tema es que la película tiene un origen verdadero, un anuncio de broma publicado en 1997 en el Backwoods Home Magazine por el periodista John Silveira que, bajo el mismo título que se usa en este film, abogaba por este simpático objetivo…

Wanted: Somebody to go back in time with me. This is not a joke. P.O. Box … You’ll get paid after we get back. Must bring your own weapons. Safety not guaranteed. I have only done this once before.

Volvamos sobre la película. En el lado investigador tenemos a Darius, la über sensual Aubrey Plaza de "Parks and Recreation" (2009-¿?), una joven periodista que ve en esta aventura la oportunidad de salir a flote en un frustrante trabajo, Jeff, Jake Johnson, jefe de Darius y tipo obsesionado por vivir su día a día como mejor le venga a él, y el becario de turno Arnau, Karan Soni, mindundi de tres al cuarto que no se come un colín y que se verá sobrepasado por las propias obsesiones de Jeff. Al otro lado, el punto más ficticio de todo lo que se cuenta, surge Kenneth (Mark Duplass), un tipo intrigante obsesionado con que en menos de lo que esperas va a viajar en el tiempo. Y es que lo chulo de este tipo de historias, lo que hacen que se disfruten más, es ese fondo de ensoñación, de esperanza por cambiar tu rumbo y de que oportunidades que en otro momento dejaste pasar vuelvan ahora a ser posibles, incluyendo, eso si, la fantástica oportunidad de viajar en el tiempo. En fin, una película con detalle de ciencia ficción pero que gustará más por ser una historia de personas en busca de darle una merecida vuelta a sus vidas. Muy pero que muy recomendable.

Un cartel de Safety Not Guaranteed

Aprovecho este tranquilo fin de semana en cuanto a noticias llegadas de Hollywood, bendito Acción de Gracias, y vuelvo a la carga sobre las películas vistas en la pasada 45ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que todavía me queda un buen puñado de las que hablar. Es el turno de dos de esos films que me apresuro a recomendar desde ya que tratéis de ver. Se trata de Sightseers (2012) de Ben Wheatley, una comedia negra británica con mucha mala baba y repleta de desquicie serial killer en el entorno de una pareja de enamorados, y Safety No Guaranteed (2012) de Colin Trevorrow, una extraña pero francamente entrañable historia de ciencia ficción del director que ha sonado durante muchas semanas para ser el encargado de llevar adelante Star Wars: Episode VII (2015). Comienzo con la mini review de la primera y luego publico la segunda.

Resulta que Ben Wheatley vuelve a la carga tras la prometedora y extrema Kill List (2011) elaborando una historia con tono "familiar", digamos que todavía en ciernes, que sirve como punto de partida para un guión que evoluciona sin control hasta acabar transformado en un sofisticado y pueblerino despiporre modo killer on the loose donde una pareja decide aplicar su propia ley mientras disfrutan de un entrañable viaje por la campiña británica más hortera y cargante. Sightseers es humor negro del bueno, bastante cafre y no exento de pasotismo moral sobre lo que muestra, aunque el debate está servido cuando lo que se comete es algo que más de uno, y siempre en su sano juicio, ha pensado en algún momento de su vida.

Alice Lowe y Steve Oram, vistos brevemente en el anterior film de Wheatley, encarnan a Tina (WTF Hot Fuzz) y Chris, una pareja no precisamente de jovenzuelos que en modo novietes se montan en una caravana con idea de pasar unas relajantes y merecidas vacaciones para así conocerse mejor. Pero la debilidad mental de Tina, ensombrecida por una posesiva y bastante repugnante madre, acabará sucumbiendo a la extrema forma de ser de Chris, un convencido serial killer que se oculta bajo un aspecto pueblerino de barba pelirroja y al que asquea todo aquello que le saca de quicio. Chris y Tina protagonizan por lo tanto un viaje donde las siniestras acciones del primero moldearán la esponja que tiene por cerebro la segunda, aunque pronto se generarán las dudas sobre en que punto el serial killer por convicción acaba provocando el nacimiento de un verdadero asesino demente que le superará en desquicie. La Lowe está genial, se llevó el premio a mejor actriz en Sitges y cuenta ya con otra oportunidad de premio en los British Independent Film Awards de este año.

Uno de los carteles de SIghtseers

Peligrosa y preocupante es la confusión que se genera cuando vas al cine a ver El hombre de los puños de hierro (The Man with the Iron Fists, 2012) y te dicen en la taquilla… "la de Quentin Tarantino". Pues no, este film modo grindhouse que bebe directamente de la inagotable fuente que han sido las producciones Shaw Brothers es del músico RZA y, si se me apura, de Eli Roth, su aportación como guionista seguro que ha sido la que ha dado al resultado final esa apariencia de despiporre sanguinolento repleto de chascarrillos pero que, en el fondo, acaba resultando bastante flojo.

Desconozco las otras virtudes de RZA pero lo que sí hay que reconocer es que sabe hacer y producir música. Sus ritmos son inconfundibles y dando tono a un film de esta guisa son hasta vibrantes y molones. Pero eso es todo. La opera prima de RZA no es más que el debut de un artista cada vez más multidisciplinar pero que por otro lado deja claro que como director debe mejorar mucho, pero mucho, mucho. Pese a contar con el impagable apoyo de un tipo como Roth, co-guionista y productor del film, o del mismísimo Quentin Tarantino, nombre en mayúsculas en carteles y promociones, RZA no da la talla y todo el amor que profesa por las artes marciales, sobre todo el Kung-Fu, no es suficiente razón como para aplaudir un producto normalillo, disfrutable a impulsos, pero que en global se queda en el terreno del ni fu ni fa… y esto no es un arte marcial nueva. Y claro, si además de dirigir RZA se apunta al protagonismo y al vozenoffismo cinematográfico, pues otro tanto de lo mismo, y menos mal que se ha rodeado de amigotes como el gigantesco Russell Crowe y estrellas de origen oriental como Rick Yune, Lucy Liu, Jamie Chung, Cung Le, Daniel Wu o Chia Hui Liu. Con todos estos como materia prima el film levanta el vuelo mucho rato, sobre todo al principio, aunque la brutal carencia de carisma de RZA hace que sus momentos estelares se queden el algo anodino… y eso que le ocurren todo tipo de putadas y se parte la crisma con un tipo como el imponente Dave Bautista.

Uno de los muchos carteles molones de El hombre de los puños de hierro vía IMPAwards

Estamos en la china feudal, diversas traiciones internas al gobierno del emperador llevan al lugar Pueblo de Selva a convertirse en el punto de encuentro de diversos clanes y variopintos personajes que no dudarán en partirse la crisma por hacerse con un botín de oro de esos que quitan el hipo. En medio del fregado tenemos al herrero (RZA), un misterioso tipo que se verá obligado a tomar parte en el fregado que se monta por ser el encargado de fabricar las más peculiares armas para auténticos asesinos. En su camino se cruzarán tipos como el cortante Jack Navaja (Russel Crowe), el hijo traicionado Zen Yi a.k.a. Cuchilla X (Rick Yune), la propietaria del burdel del pueblo Madame Flor (Lucy Liu) o el clan al completo de los Leones donde destacan León de Plata (Byron Mann), León de Bronce (Cung Le) o Cuerpo de Latón (Dave Bautista).

Técnicamente la película ofrece mucho y bueno. El grato, y en muchas ocasiones ligero, vestuario de las féminas que pululan por todas partes, una dirección artística notable y un generoso aporte de efectos especiales gore gracias a los siempre cumplidores Gregory Nicotero y Howard Berger de KNB EFX Group. En este aspecto aquí no se cortan un pelo combinando grotescos salvajismos donde predominan las amputaciones o los abundantes chorreos hemoglobínicos en modo sifón. Otro punto a favor son las coreografías del mítico Corey Yuen, a todos aquellos que os flipe ver gente volando y peleas imposibles que rememoren clásicos como La serpiente a la sombra del águila (Se ying diu sau, 1978) debe ver el nuevo trabajo de este especialista importado al cine made in USA. A destacar, y mucho, la secuencia de inicio, ese opening que te deja pegado a la butaca de lo magnífica y serie B que es… una delicia visual que te ponen en estado hype total pero que conforme pasa el metraje se acaba olvidando. En fin, se puede ver aunque es importante saber que hace aguas por todas partes.

Fundido en negro… en ese estado está el futuro del maestro del giallo Dario Argento tras perpetrar la más abominable producción cinematográfica de los últimos años. Con el apoyo, menudos arrestos les han echado, de productores como Enrique Cerezo, Film Export Group y alguna compañía más, entiendo que sabían en lo que se metían, estamos ante un intragable producto de serie Z que por alguna extraña e inmerecida razón, hay manos negras con poder que todo lo consiguen, ha logrado ser estrenada en cines. El film se pudo ver en el Festival de Cannes y más recientemente surcó los cielos de Sitges, donde tuve oportunidad de sufrirla de principio a fin, y ha sido ahora, este pasado viernes 9 de noviembre, cuando Dracula 3D (2012) ha llegado a no se cuantas salas de cine de España. El tema es que la película esta no hay por donde cogerla. Técnicamente es una especie de pastiche hecho con una cámara casera y haciendo uso de los recursos más pírricos imaginados para una producción con algún objetivo mayor que causar vergüenza. Además, ya son ganas de meterse en camisa de once varas y más para tirarse al vacío con uno de los mitos de la literatura contemporánea como es la fantástica novela de Bram Stoker.

Por que encima tenemos a Argento haciendo de guionista, a Stefano Piani haciendo de guionista, a Antonio Tentori haciendo de guionista y, redoble de tambores, al mismísimo Enrique Cerezo haciendo de guionista. Estáis leyendo bien, ENRIQUE CEREZO GUIONISTA. Y ojo, porque esto no es lo peor que le podía ocurrir a la producción. Sumemos que es ponzoña en todos sus aspectos técnicos, ya hablemos de la dirección artística de mercado de barrio, los horribles efectos digitales, transformaciones más baratas que las ya limitadas de la magnífica Hammer o el momento surrealista de la mantis religiosa son un buen par de ejemplos, el descuajaringado montaje que marea casi tanto como el penoso 3D, o el maquillaje, ¿pero existe?, del genio venido a menos Sergio Stivaletti… ¿por qué narices han permitido esto? Y no hablemos del reparto, porque es lo último que quedaba para terminar de hundir en todos los aspectos este despropósito. Básicamente se podría resumir en que tenemos un pack de actores que merecen que les den de comer a parte. Desde Unax Ugalde y Thomas Kretschmann, el primero un Jonathan Harker patético y el segundo un Conde Drácula que se arrastra, o los objetos de nuestros más oscuros deseos Asia Argento y Miriam Giovanelli, que buenas están. Lo de estas dos es de traca, sobre todo la segunda. Sus papeles se reducen a generoros y calenturientos escotazos, ropas mínimas, despelotes casi integrales y muchas ganas de retozar cual golfas infernales… se podría decir que son la versión videocaspa de Monica Belluci, Michaela Bercu y Florina Kendrick. Y no hablemos de Rutger Hauer, un Van Helsing de segunda mano, lo más barato que debía haber en el mercado, que no lo puede hacer peor.

En definitiva, Dracula 3D es horrible. Pero horrible de verdad. Uno puede verla por eso de echarse unas risas, o pasarlo bien disfrutando de los cuerpos de la Argento y Giovanelli, pero Dario en otro tiempo era mucho más que esto, pero mucho, mucho. Por respeto al maestro deberían reestrenar en cines sus grandes obras como director, que son un montón – El pájaro de las plumas de cristal (L’uccello dalle piume di cristallo, 1970), El gato de nueve colas (Il gatto a nove code, 1971), Cuatro moscas sobre terciopelo gris (4 mosche di velluto grigio, 1971), Rojo oscuro (Profondo rosso, 1975), Suspiria (1977), Inferno (1980), Tenebre (1982), Phenomena (1985), Ópera (Opera, 1987) o Los ojos del diablo (Due occhi diabolici, 1990) -, o producciones en manos de otros cracks – Demons (Dèmoni, 1985), El engendro del diablo (La chiesa, 1989) o La secta (La setta, 1991).

Cartel de esa cosa llamada Dracula 3D

Sigo aprovechando los estrenos oficiales en cines para recuperar opiniones sobre películas que he podido ver en el pasado Festival de Sitges. Este fin de semana ha llegado a los cines Sinister (2012) de Scott Derrickson, una nueva propuesta de cine de terror al amparo del cada vez más llamativo Jason Blum, tío inteligente que se reinventó con la franquicia Paranormal Activity y que ha sabido mantener el pulso a Hollywood con esa propuesta de hacer cine de género con pírricos presupuestos asegurando, por ahora, una marca de calidad digna de aplauso.

Y es que en Sinister tenemos una buena película de terror, con un planteamiento singular y que, pese a explotar elementos comunes muy trillados del género, mantiene el interés y la tensión aportando suficientes factores positivos como para encumbrar el resultado final a un puesto muy alto si de cine de terror de calidad hablamos para este 2012. La película aprovecha no solo el buen hacer de su director Scott Derrickson, también guionista junto a C. Robert Cargill, ya que cuenta de paso con puntos fuertes como la perturbadora fotografía de Chris Norr o los habituales y meritorios golpes de efecto tanto sonoros, acompañados por la batuta de Christopher Young, como de montaje, el terror vive en gran parte de esta ventaja. Junto a esto tenemos a Ethan Hawke, fantástico como de costumbre y gran especialista en echarse a las espaldas todo el peso interpretativo sufriendo lo indecible gracias a esa aparente fragilidad, que si bien cuenta con reconocibles apoyos como los de Vincent D’Onofrio (irreconocible), Fred Dalton Thompson, James Ransone o la jovencísima Clare Foley, se saca de la manga un personaje de principios discutibles que incapaz de esquivar el tormento que le espera verá con horror como pasa a formar parte de una espiral de la que, como siempre ocurre en estos casos, no debes contar con salir bien parado.

Un escritor llamado Ellison Oswalt (Ethan Hawke), estrella hace unos cuantos años gracias a un best seller que analizaba una serie de crueles asesinatos con consecuencias desagradables, trata de buscar el sustento de su familia y su realización personal con un nuevo proyecto literario. Su cabezonería le llevará a enfrascarse en una nueva investigación periodística para tratar de descubrir la razón del asesinato de una familia al completo en un pequeño pueblo. Son tales las ganas de Ellison por pasar a formar parte de la esencia de lo que estudia, que no dudará en irse a vivir a la casa donde la familia fue asesinada. En plena instalación en su nueva vivienda nuestro escritor se encontrará con una vieja caja repleta de bobinas de super 8 y un reproductor. El visionado de estas películas caseras descubrirá a Ellison el verdadero horror de lo que pretende investigar… y algo más.

Cartel español de Sinister

Primera deuda a subsanar este fin de semana, escribir una merecidísima opinión de Skyfall (2012), el film número veintitrés dentro de las aventuras del mítico agente del servicio secreto británico James Bond. La verdad sea dicha, el nivel de Casino Royale (2006) fue muy alto, Martin Campbell ofreció un Bond distinto enmarcado en un actor imponente como es Daniel Craig que llegaba dispuesto a dejar huella y hacer temblar los cimientos del más obsceno bondianismo exacerbado… superar al mismísimo Sean Connery. Daba gusto el enfoque que tomaba la franquicia, con una caracterización del personaje mucho más dura, cruda y sin tapujos de lo que podíamos imaginar. Luego vino el medio bajón que resultó ser Quantum of Solace (2008) de Marc Forster, una especie de forzada aunque correcta continuación a los acontecimientos de Casino Royale donde se puso de manifiesto que el imperturbable James Bond también tenía sentimientos, otra nuevo valor que abría un nuevo espectro personal en la coraza del personaje. Y con esas llega Skyfall, tras cuatro años de maduración donde se ha encauzado la franquicia nos entregan una delicia en todos sus aspectos, un trabajo excelso de dirección del gran Sam Mendes, un guión perfecto escrito a tres manos por Neal Purvis, Robert Wade y, valor añadido, John Logan, o un trabajo técnico increíble donde destaca la fotografía de Roger Deakins, atención a futuros premios, o el montaje de Stuart Baird. Skyfall lo tiene todo. Además, Daniel Craig sigue completando un personaje ahora abierto a nuevas experiencias, comienza a recordar a sus ya viejos predecesores, pero al tiempo mucho más intimo, más rudo y muy pero que muy personal y, por qué no decirlo, humano. Junto a Craig un villano a destacar encarnado por un superior Javier Bardem, simple en objetivo maligno pero eficaz y francamente obsesivo. No todo tiene que ser dominar el mundo…

Póster español de Skyfall, los carteles de esta película no hacen sombra a la realidad

La última misión de 007 en Turquía ha salido rana. Tratando de eliminar a un fulano llamado Patrice (Ola Rapace) que ha robado un disco duro donde se registra la identidad de diversos agentes del servicio secreto infiltrados en múltiples grupos terroristas y paramilitares de todo el mundo, James Bond sucumbe a la decisión de M (Judi Dench) y es dado por muerto. Varios meses después regresará de entre los muertos cuando vea que su fallida operación ha provocado que el pasado de M vuelva para atormentarla de múltiple maneras… aniquilando agentes encubiertos o atentando directamente contra el cuartel general del MI6. Tras varias malas decisiones el puesto de M está en el aire presionada por Mallory (Ralph Fiennes), Presidente del Comité de Inteligencia y Seguridad, y la ministra de seguridad al cargo. Bond se reincorporará y hará lo indecible por detener a Silva (Javier Bardem), el cabecilla de todos los males que azotan a M y del cual se desconoce que narices pretende en realidad.

Skyfall sirve además para establecer un reenfoque de la renacida saga que nos acerca, puede que peligrosamente, esto no lo tengo muy claro, a la veterana y olvidada durante mucho tiempo estructura del universo Bond. El film ofrece varios momentos que podremos enmarcar los fans de la saga como instantes míticos que han logrado que se nos hayan puesto los pelos como escarpias. Solo hablaré sobre la emoción que se siente cuando uno ve a Daniel Craig montarse en el Aston Martin DB5 acompañado por la famosa fanfarria de la saga. Los otros prefiero dejarlos en el anonimato porque merecen ser disfrutados en una sala de cine y así esbozar una sonrisa cómplice con el mismísimo James Bond cuando tengan lugar, eso si, todos ellos llegan conforme se completan las casi dos horas y media de metraje, duración que puede parecer excesiva pero que sirve para terminar de pulir una película que figurará en los anales de la saga como una de sus mejores aventuras. Y esto es prácticamente todo lo que puedo decir de Skyfall sin entrar en detalles de la historia. Probablemente una de las cosas que más me han gustado es que la película sirve también de interesante homenaje, no se si intencionado, a una de esas obras no-Bond que decoran Hollywood, la no reconocida como válida Nunca digas nunca jamás (Never Said Never Again, 1983). Ver a Bond pasarlo mal nos acerca mucho más a la debilidad de un personaje que ha sido por defecto una roca. Esto es lo bueno del enfoque que le han dado estos últimos años con Daniel Craig al frente, un agente que llegó en plenitud de facultades, pero que ha sufrido y que por lo visto lo seguirá haciendo mientras el cuerpo aguante. Y ojo, porque poco a poco le cuesta más superar los retos.

Otra de las películas que más disfruté en el pasado Festival de Sitges fue el remake de Maniac (1980), el ya cult film gore de William Lustig que protagonizó en su momento un gran Joe Spinell ofreciendo una de las interpretaciones más desagradables, grasientas y enfermizas salidas del celuloide. En esta era de insulsos e innecesarios refritos del pasado, Franck Khalfoun, viejo colaborador de Alexander Aja como actor en la sangrienta y truculenta Alta tensión (Haute Tension, 2003) o como director de Parking 2 (P2, 2007), se hace cargo de un potente remake que de paso sirve como demostración de que el POV shot puede funcionar francamente bien, y con sobresaliente impacto, en una película de estás características… un slasher directo, brutal y que no deja títere con cabeza… o cabellera.

Protagonizado por Elijah Wood, este nuevo Maniac (2012) es tan salvaje, sucio, crudo, incomodo y enfermizo como lo fuera el film de Lustig. Alexander Aja y su inseparable colaborador Grégory Levasseur, trabajan sobre el guión original escrito por C.A. Rosenberg y el propio Spinell, aportando modernidad y su particular estilo a la hora de hacer cine de horror moderno. Además, curiosidades de la vida, Wood sorprende al respetable saliéndose de su habitual registro interpretativo, aunque esto de serial killer, aunque sea comiquero, le viene al pelo, apostando por un estilo aparentemente nada acorde con sus anteriores incursiones en el cine. Sobre el resultado obtenido decir que el remake es fiel al film de Lustig, mismas obsesiones, mismo modus operandi, mismas grotescas vicisitudes personales pero actualizado gracias a los recursos cinematográficos de hoy en día. Lo que resulta más llamativo es el buen juego que da el uso de la cámara subjetiva, estamos ante una apuesta por este sistema del 99%, logrando que uno se sienta parte de la perversas perturbaciones de la mente del personaje de Wood aunque hay un genial homenaje en ese ligero 1% donde nos alejamos del punto de vista del protagonista. Como extra destacar la electrónica música del film, pieza fundamental que añade personalidad al producto final como lo hiciera la BSO de film ochentero compuesta por Jay Chattaway. Sólo eché de menos un cameo homenaje de Caroline Munro o Tom Savini, ya que del pobre Spinell ya solo nos queda echarle de menos.

Cartel de Maniac

Este pasado fin de semana se estrenó otro de los films que pude ver en la 45ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya , que digo ver, más bien sufrir. Estoy hablando de Paranormal Activity 4 (2012) de Henry Joost y Ariel Schulman, cuarta entrega de la conocida saga que tanto miedo ha echo pasar a millones de personas a lo largo del último lustro, y que de alguna forma se ha hecho con un importante hueco en el corazoncito de un amplio grupo de seguidores que disfrutan con este modelo de películas. Antes de comentar qué me ha parecido en el fondo esta cuarta parte de la franquicia, tengo que reconocer que no soy seguidor ni siento interés por este impulso al género del horror cámara en mano salido de la mente de Oren Peli y sobreexplotado de forma anual en modo máquina de churros. Diría más, ahora que nos esperan ya confirmadas Paranormal Activity 5 (2013) y el spin-off latino, auténticos sinsentido visto lo visto, confirmo más que esto está acabado y definitivamente hundido, creativamente hablando claro está. Hay que rendirse ante la evidencia ya que a nivel taquilla estamos ante un nuevo monstruo de hacer dinero… con un costo de 5 millones de dólares esto ha recaudado en un fin de semana 55 aunque todos aseguran que apunta a desplome en comparación con las anteriores ideas de la franquicia.

En fin, Paranormal Activity 4 es una engañifa más, un subproducto que le da caña a lo mismo de siempre pero que por primera vez se queda obsoleta en su planteamiento y, diría más, en su intento por causar verdadero pavor. No lo voy a negar, la película tiene un par de sustos que te hacen brincar pero para de contar. Insulsa, aburrida, transitoria, perezosa, repetitiva, más y más y más y más… lo tiene todo para ser olvidada rápidamente y comenzar a marcar la pauta de caída libre en la que puede entrar la saga si no hacen algo para remediarlo, aunque por mi parte como si optan por cerrar el chiringuito mientras apuestan por innovar con alguna idea diferente. Esta cuarta parte pretende sacarse de la manga nuevos orígenes de la cámara para el almacenamiento de las imágenes que nos harán pasar un mal rato… que si el portátil de turno, en este caso un par o tres, que si la XBox todo el día encendida e iluminando toda la habitación por las noches en modo discotequero, etc. El resto el pan nuestro de cada día, un vecino puñetero, espíritus burlones y aquí te pillo aquí te mato. Hora y media de suplicio en la que no merece la pena perder el tiempo.

Una no más Santo Tomás

Ya iba siendo hora de que llegara a los cines uno de los films de ciencia ficción más esperados del año. Junto a Prometheus (2012) de Ridley Scott, aquí más de uno me tirará los trastos, el retorno al cine con mayúsculas del peculiar Rian Johnson ha sido una de las cosas más fabulosas que nos podían haber pasado este año cinematográficamente hablando. Porque si, estamos posiblemente ante un nuevo clásico, un film de culto que con el paso de los años irá ganando más y más firmeza pero que ya, así de buenas a primeras, ha caído como agua fresca en un universo colapsado por cargantes florituras. Recuerdo el día que vi por primer vez Brick (2005), una auténtica y sorprendente delicia de cine negro en un ambiente escolar que dejaba claro que Johnson apuntaba alto si era capaz de concebir ideas tan impensables, a la par que cotidianas, como esa. Si bien con su segundo film se desinfló un poco el ilusionante globo que había comenzado a volar con su primera aventura, The Brothers Bloom (2008) fue un tropezón, ahora uno vuelve a ganar ilusión y confirma que tenemos un nuevo miembro de esa futura generación de directores que nos auguran mucho entretenimiento en pantalla de aquí a un buen puñado de años vista. Y ojo, porque hablamos de entretenimiento del bueno, del inteligente, del que te hace darle vueltas al coco para comprender, para descubrir los secretos, para darte cuenta de que todo está hilvanado de forma consecuente. Vamos, un trabajo muy elaborado, fantástico, aunque a algunos les parezca diarreico. Nada más lejos, Rian Johnson además es de los que se lo guisan y se lo comen, director y guionista como ya hiciera en Brick y The Brother Bloom, por lo que todavía tiene más mérito haberse sacado de la manga una película tan peculiar como esta que deberías ver si o si. Y claro, si encima vuelve a contar con Joseph Gordon-Levitt, hablemos ya de actor fetiche, sacas de él una mutación, la mejor simbiosis posible con uno de los grandes de las últimas décadas como es Bruce Willis, y de paso lo decoras con valores como la magnífica Emily Blunt, Paul Dano, Noah Segan, Jeff Daniels o Piper Perabo pues eso… por mi que Looper (2012) se eternice.

Póster español de Looper

Estamos en el futuro, Joe (Joseph Gordon-Levitt) es un looper, una especie de asesino del presente que limpia problema del futuro que llegan por arte de magia gracias a máquinas del tiempo que todavía no existen. Junto a sus amigos de oficio todo es fabuloso. Por cada trabajo ganas dinero y esto te permite disfrutar de un ritmo de vida donde las drogas y las mujeres de pago, las caras, son el pan nuestro de cada día. Pero el día que a Joe se le aparece delante él mismo pero con treinta años más a las espaldas, Bruce Willis, todo tomará un rumbo inesperado, un rumbo donde el futuro trata de resolver su pasado al tiempo que este está obligado a evitar que él mismo, aunque con unos años más, tome decisiones que podrían alterar el destino de terceros… y el suyo propio.

Y aquí estamos, ante otra de delicia conceptual muy en la línea de esas dos o tres que hemos podido visionar en los últimos años, donde las acciones presentes, siniestras en todos sus aspectos, tiene su reflejo vengas de donde vengas, más si eres del futuro, y donde los detalles están ahí para ser analizados en profundidad y hacerlos todavía mucho más misteriosos. Esas paradojas temporales que cuesta comprender, que ocultan lo verdaderamente magnífico que es el trabajo de Rian Johnson, y que sirven de pegamento para contarnos no solo una historia, si no posiblemente un par o tres porque de todo hay en Looper. Acompaña a esto con buenos actores, no me cansaré de decir que la transformación de Joseph Gordon-Levitt se pasa de castaño oscuro, buena música, inmejorable montaje, grandes efectos visuales o modernidad controlada para nada disparatada, el futuro no tiene por que ser extremo, y lograrás esto, uno de los mejores films de ciencia ficción de los últimos años, uno de esos que no tiene que desmerecer de otras grandes películas de este siglo como Origen (Inception, 2010), Moon (2009), Código fuente (Source Code, 2011) o Distrito 9 (District 9, 2009), por citar unas cuantas. Y si encima de lograr algo así, le añades estructura mainstream, puramente palomitera, pues entonces aplaudes, porque no se puede haber dado más acertadamente en el centro de la diana.

¿Qué narices haces leyendo esto si no has ido a ver Looper?

Ala, una vez vista en Sitges es hora de publicar la mini review de La cabaña en el bosque (The Cabin in the Woods, 2012) de Drew Goddard y Joss Whedon. Una película que además, y para joder un poco más al prójimo, se ha quedado sin distribución en los cines de España, por lo que no esperéis verla hasta su lanzamiento en DVD / Blu-Ray… cosa de las malas políticas de planificación y distribución, sumadas a esa facilidad surgida a la hora de conseguir una copia en alta definición de la película desde hace ya unos cuantas semanas / meses. En fin, personalmente no puedo más que decir que estamos ante una de las mejores producciones de terror del festival, del año y puede que de un buen número de años, una película creada al unísono por las mentes juguetonas de Goodard y Whedon. The Cabin in the Woods, me gusta más como suena en inglés, es una obra inteligente, con un planteamiento moderno e innovador, repleta de guiños, vale la pena verla unas cuantas veces para pillar todos esos detalles, y con una cantidad de encanto tal que es difícil describirla.

El film explota el clásico concepto del grupo de amigos que se van de fin de semana a la igualmente clásica medio abandonada cabaña en el bosque. Añadamos un lago, siempre está bien darse un baño, los habituales perfiles del deportista, el cerebrito, la cachonda, la virgen y el friki, y momento de ponerlos a pasarlas putas asediados por… por lo que sea, todo lo que vuestra mente pueda imaginar. Ese es el truco de The Cabin in the Woods, sembrar todos los tópicos, manidos y explotados hasta la extenuación a lo largo de las últimas décadas, pero al tiempo sacarse de la manga un concepto innovador, nada habitual y, por qué no decirlo, irrepetible. Un reparto jugoso encabezado por Kristen Connolly, Chris Hemsworth antes de ser Thor, Anna Hutchison, el fijo en la vida de Whedon Fran Kranz y Jesse Williams. Estos son las víctimas de The Cabin in the Woods, al otro lado tenemos a Richard Jenkins y Bradley Whitford, un par de directores de orquesta gamberros que de manera casi inmediata comenzarán a ponernos sobre la pista de lo que se oculta en realidad tras todo lo que vemos.

En fin, creo que es imposible seguir hablando sobre este muy recomendable film sin entrar en detalles de la trama, así que paso. Vedla, disfrutadla y puede que en un futuro no muy lejano adquiridla en merecido Blu-Ray o DVD. No se puede negar que la culpa de que no llegue a cines como estaba previsto para finales de mes es nuestra a un 60%, pero el maltrato que sufrimos por parte de las distribuidoras en este país no tiene parangón… siete meses de retraso en una película donde al mínimo detalle te destripan la película entera es inconcebible. Demasiado hemos aguantado muchos. En mi caso me la destriparon en agosto más o menos, y ya de jodidos al río. Eso si, vista en el Festival de Sitges 2012 la disfruté como la primera vez.

Fabuloso cartel Mondo para The Cabin in the Woods

 NOTA  Como iba a celebrar un concurso con motivo del estreno en cines de The Cabin in the Woods, cosa que ahora no tendrá lugar, anuncio ya el Quincuagésimo Sexto Concurso Uruloki: los secretos de The Cabin in the Woods, concurso en el que regalaré esto que veis aquí. La fecha… pues veamos, ¿qué tal el viernes 2 de noviembre a las 20:00? Las preguntas irán sobre el film, condición para participar.