Está claro que si Mahoma no va a la montaña, la montaña irá a Mahoma. La semana pasada llegó a los cines Extraterrestre (2011) de Nacho Vigalondo, una de las películas españolas que más me apetecía recomendar tras verla en el pasado Festival de Sitges. Mi plan era claro, volver a disfrutarla en el cine con algunos amigos y refrescar impresiones, bastante buenas por cierto. Pero se reproduce el cuento de siempre, una distribución muy precaria y la necesidad de hacerse unos 100 kilómetros de media para ver una película en cines echa cualquier plan por la borda. Por lo tanto, haciendo de tripas corazón viajo al pasado y recuerdo mi experiencia en Sitges. Nacho Vigalondo es uno de esos bichos raros que pululan por la mejor versión de la renovada cinematografía española. Junto a un elenco de realizadores "jóvenes" a tener muy en cuenta, Jaume Balagueró, Rodrigo Cortés, Juan Antonio Bayona, Kike Maíllo o Juan Carlos Fresnadillo, por citar unos cuantos, ha aportado lo necesario para que la esperanza sobre el cine patrio se renueve con aroma internacional y apartado de ese conjunto de cansinos tópicos que tanto abundan en nuestra cinematografía. Tras debutar con la superlativa y elaborada cinta de ciencia ficción Los cronocrímenes (2008), obra de culto aquí y mucho más alabada allá, Vigalondo regresa a la gran pantalla con otra idea personal alejada por completo de su opera prima. Extraterrestre no es para nada lo que uno imagina y más de uno no debería pensar que va a ver algo que por otro lado no tiene sentido contar. Eso es lo que hace que la película sea más notable, o sobresaliente. Al apostar por esta "marcianada" uno debe acudir al cine sin prejuicios, y así disfrutar de una historia común y muy conocida pero con un trasfondo disparatado y unos personajes más desquiciados que la propia situación en la que se encuentran.

Teaser póster para el mercado internacional de Extraterrestre de Nacho Vigalondo

Julio (Julián Villagrán) se despierta en calzoncillos en casa ajena con una horrible resaca y sin recordar que diablos sucedió la noche anterior o cómo ha llegado ahí. El desconcierto será mayor cuando en la cocina del apartamento se cruce con Julia (Michelle Jenner). Tras el habitual intercambio de frases incómodas entre auténticos desconocidos, y si bien la idea de Julia es que salga de la casa lo antes posible, todo dará un giro inesperado cuando descubran que en el exterior lo que domina la situación es una invasión alienígena que acaba de empezar. Ante esta inesperada situación Julio encuentra una razón de peso para quedarse en casa de Julia.

Llegados a este punto, y por si alguno no se había enterado tras tantos meses de decirlo, Extraterrestre es en realidad una historia de amor en un entorno disparatado y más propio de los estudios hollywoodienses como es el de una invasión llegada del espacio. Con esa guinda como leitmotiv narrativo, Vigalondo se centra en una relación entre cuatro personajes y se rodea de un reparto coral minúsculo en tamaño pero gigante es respuesta encabezado por unos geniales Julián Villagrán, Michelle Jenner, Raúl Cimas y Carlos Areces. Solo con eso, y la frugal aparición de Miguel Noguera, otro humorista al canto, el director cántabro deja claro que lo que hace falta para crear verdadero cine es tener una historia que complete al espectador y un reparto que trasmita empatía, amén de una buena dirección, de nuevo hay que rendirse al buen hacer de Vigalondo, y muchísimo esfuerzo. El resto de elementos son accesorios y no se necesitan grandes alardes de parafernalia y pirotecnia para encandilar al que se sienta en la butaca con idea de disfrutar durante un par de horas de cine. Extraterrestre es eso, buen cine, la mar de entretenido, viviente en lo convencional aunque dispar en lo más profundo. Eso y altas dosis de humor donde Cimas y Areces lo rompen. Villagrán también sorprende y la Jenner cumple con creces.

 NOTA  Por si a alguno le interesa, aquí os dejo el enlace a la entrevista que le hice a Nacho Vigalondo el pasado mes de noviembre.

Hace un tiempo se puso en contacto con Uruloki Jesús Orellana, un director que puso toda la carne en el asador y todo su ingenio para sacar adelante en solitario un fantástico corto titulado "ROSA" (2011). Tras recorrer medio mundo al fin tenemos la posibilidad de ver completo, de principio a fin, este sorprendente corto de animación CGI y ciencia ficción. Para el que no recuerde de qué iba el tema…

En un futuro cercano, la humanidad ha desaparecido dejando tras de si una enorme megalópolis desprovista de vida natural. De entre la destrucción despierta ROSA, un robot parte del proyecto KERNEL, el último intento de la raza humana de restaurar el ecosistema terrestre recuperando especies de plantas ya extintas.

Vagando entre las ruinas de la ciudad sin vida, Rosa pronto descubrirá que no es la única parte de Kernel que ha despertado.

Junto al corto Jesús nos proporciona la nota de prensa de presentación del mentraje…

ROSA es un cortometraje de animación situado en un mundo post-apocalíptico donde toda vida natural ha desaparecido. Entre la destrucción despierta Rosa, cyborg parte del proyecto Kernel, el último intento de la raza humana para salvar el ecosistema terrestre. Rosa pronto descubrirá que no es el único ente que ha despertado y deberá luchar por su supervivencia.

ROSA tuvo su premiere mundial en Mayo durante el prestigioso Festival Internacional de Cine de SEATTLE, y fue proyectado durante la Ceremonia Inaugural del pasado Festival Internacional de Cine Fantástico de SITGES (considerado como el mejor festival de cine fantástico del mundo). El corto ha sido además Selección Oficial en festivales de todo el mundo como SCREAMFEST, TORONTO AFTER DARK, ANIMA MUNDI o el LOS ANGELES Short Film Festival entre otros. ROSA ha sido además noticia en webs como Twitch o Firstshowing. Tras el exitoso paso por festivales se han puesto en contacto conmigo las mayores Agencias de Talentos (CAA, WME, UTA, etc.) así como varias productoras Hollywoodienses interesadas en adaptar ROSA como largometraje de imagen real. Actualmente estoy desarrollando el tratamiento de guión de la futura película. ROSA competirá en los próximos premios GOYA en la categoría de Mejor Cortometraje de Animación.

Cartel final de Rosa de Jesús Orellana

Podéis encontrar más información sobre el corto en la Página Oficial www.rosamovie.com y en la Página de Facebook www.facebook.com/rosashortfilm. Disfrutadlo porque es sencillamente alucinante…

Buscando un hueco sigo con mi periplo por el SITGES 2011 – 44 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Comienzo con mi cuarto día por el festival y el visionado de dos películas orientales, la superlativa y coreana The Yellow Sea (Hwanghae , 2010) de Na Hong-jin y la japonesa y desconcertante Hara Kiri: Death of a Samurai (Ichimei, 2011) de Takashi Miike, que de paso llegaba bajo el sello 3D que en muchos casos es más bien un estigma que otra cosa.

The Yellow Sea (Hwanghae , 2010) de Hong-Jin Na

Probablemente una de las mejores películas que vi en el festival y, para regocijo del respetable, una de las más violentas que me pude echar a los ojos este año. The Yellow Sea es una nueva vuelta de tuerca del cineasta especialista en acción Na Hong-Jin, sin dudarlo y pese a su corta carrera a la altura de otros maestros llegados de Corea como Boon Jonn-Ho o Park Chan-Wook. Tras la potente The Chasers (Chugyeogja, 2008), otra triunfadora en Sitges hace unos años, es el turno de The Yellow Sea, un thriller que nos cuenta la historia de Kim Goo-Nam (Ha Jung-Woo), un taxista que vive a duras penas en la marginal y pobre frontera entre China y Corea del Norte asediado por las deudas con la mafia que ha contraído desde el día en el que su mujer decidió fugarse a Corea del Sur para encontrar trabajo. Al borde de precipicio y con una hija a la que mantener, Kim decide aceptar una propuesta laboral del mafioso local Myeon Jeong-hak (Kim Yoon-seok), una propuesta que le llevará a cruzar el denominado como Mar Amarillo para, en la Corea del Norte, acabar con una persona. Su misión dentro de la dureza que implica parece sencilla… matar a alguien, cortarle el dedo pulgar como prueba y volver a casa. Pero será en ese momento cuando las cosas se compliquen y Kim acabe siendo el centro de todas las miradas en una carnicería sin control con una trama repleta de enrevesados giros, múltiples traiciones, pasados sin resolver, celos de todos los colores y mucho dinero. Dos horas y media de películas dividida en cuatro fases del viaje del protagonista a un infierno donde no existen las pistolas, el férreo control en Corea del Norte se traslada al cine, y todo se mide por el filo del cuchillo o el hacha que lleves en el mano. Acción a raudales, persecuciones trepidantes, fotografía de tono digital que recuerda en muchos aspecto al estilo de filmación de maestros como Michael Mann y mucho movimiento de cámara. Todo esto y el personaje de Kim Yoon-seok… el mafioso más tremendo de los últimos tiempos, decir que está pirado es quedarse corto. Fabulosa.

Cartel de The Yellow Sea de Hong-Jin Na

Hara-Kiri: Death of a Samurai (Ichimei, 2011) de Takashi Miike

Por segundo año consecutivo la máquina de hacer películas que es Takashi Miike se pasó por el festival, esta vez además por partida doble. En mi caso solo pude ver Hara-Kiri: Death of a Samurai, remake de la homónima obra maestra dirigida por Masaki Kobayashi y protagonizada por Tatsuya Nakadai de 1962 que ya triunfara en su día. Miike vuelve a narrarnos la historia de Hanshirô Tsugumo(Ebizô Ichikawa), un samurai que ante la desesperación de seguir viviendo pide realizar el ritual de seppuku en la residencia del clan Li dirigido por el veterano y obstinado Kageyu (Kôji Yakusho). Como últimamente son varios los samuráis en desdicha que acuden a los clanes para el suicidio ritual, Kageyu le advierte a Hanshirô que en es casa no se andan con monsergas y que esa nueva moda del falso seppuku no se tolera. Aprovechando la coyuntura decide contarle la historia de Motome (Eita), un joven samurai que acudió a ese mismo clan con un objetivo similar al de Hanshirô… aunque en su caso no pensaba llevarlo a cabo. Al finalizar la historia Hanshirô pide un último deseo antes de iniciar el ritual y decide contarle a todo el clan presente su propia historia, la de su hija Miho (Hikari Mitsushima) y la de su yerno. Film duro el de Miike, por la historia y por la duración, que cuenta con un uso del 3D que no llega a aportar mucho salvo para destacar alguna secuencia de copos de nieve y aquellas donde importa la disposición de los personajes en la profundidad del plano, muy buscado esto por Miike para sacar todo el provecho posible a la grabación estereoscópica. Si bien es un remake perfectamente trabajado Miike dilata la historia de Hanshirô hasta la extenuación llegando a resultar francamente cargante. Si alguno tenía la idea de que esto iba a ser otro 13 asesinos (Jûsan-nin no shikaku, 2010) pues que no se confunda, es una historia de amor, honor y venganza que es preferible disfrutar en el formato clásico de Kobayashi. Eso si, contiene algún que otro momento de extrema dureza.

Cartel de Hara-Kiri: Death of a Samurai 3D de Takashi Miike

En el pasado SITGES 2011 – 44 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya tuve la oportunidad de hacer una entrevista a Joe Cornish, director de Attack the Block (2011) y guionista de la inminente Las aventuras de Tintín: el secreto del Unicornio (The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn, 2011) de Steven Spielberg y Peter Jackson o de la futura Ant-Man (¿?) de Edgar Wright para Marvel Studios. Os dejo aquí con la animada y entretenida charla que mantuve con él…

Uruloki: Antes de nada enhorabuena por la película. Un gran trabajo con excepcionales actores y fabulosa música. Junto a Mientras duermes de Jaume Balagueró es la película que más me ha gustado hasta el momento.

Joe Cornish: Mientras duermes, la he visto, muy buena. Muchísimas gracias.

U: Para comenzar con esta entrevista quiero poner la vista sobre el cine británico de género de la última década. Lo llevo meditando mucho tiempo, opino que tenéis la increíble capacidad de sorprendernos con atrevidas ideas, perfectamente trabajadas y que acaban ocupando un destacado lugar en la memoria del fan del terror y la ciencia ficción. Dog Soldiers, Shaun of the Dead, Severance, The Descent o The Cottage son claros ejemplos. Ahora llegas tu con Attack the Block… ¿existe algún secreto en el cine británico para este éxito?, ¿funciona tan bien la fusión de géneros como el terror y la comedia?

J.C.: Bueno, creo que Edgar Wright comenzó con esa tendencia, Shaun of the Dead fue la primera película británica de género en mucho tiempo y abrió la puerta para que muchos directores empezaran a hacer ese tipo de películas. De hecho no creo que yo hubiera podido hacer esta película si Edgar no hubiera arrancado esta tendencia con su film. De todas formas Gran Bretaña siempre ha tenido una gran tradición de obra y películas de ficción fantástica, "La guerra de los mundos" de H.G. Wells por ejemplo tiene lugar en el sur de Londres, que es muy cerca de donde se rodó Attack the Block. En las décadas de los 80 y 90 la fantasía desapareció de la creatividad de Gran Bretaña, pero creo que Edgar puso en marcha una especie de renacimiento de este género y como fan del mismo tengo que agradecérselo.

U: Debutas en la dirección de un largometraje con Attack the Block pero tienes una carrera paralela como guionista, ¿qué te atrae más, plasmar ideas en papel o participar activamente y de forma directa en su traslado a la gran pantalla?

J.C.: Todo el proceso como director me interesa bastante más. Escribir es muy solitario, sobre todo cuando lo hace sin nadie más de compañero. Me levanto y mi novia se ha ido a trabajar, me quedo solo en casa, tengo que intentar concentrarme, mirar al ordenador, meterme como en una burbuja, hacerlo durante meses y llega a ser una tarea realmente solitaria. En cambio hacer una película es un proceso comunitario bastante importante, tienes que estar hablando con gente todo el rato. Me gusta mucho la familiaridad que se genera a la hora de hacer una película… pero claro, no puedes hacer una película sin escribir un guión, así que escribir un guión es un "mal" necesario.

U: Siguiendo con el tema guionista. Este año también se estrena Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio. ¿Qué te ha atraído del mundo de Hergé para unirte a esta aventura junto a Edgar Wright y Steven Moffat?

J.C.: Soy un gran fan de Tintín, me gusta desde que era pequeño y se me ofreció esta gran oportunidad. Creo que cualquier guionista estaría completamente loco si no quisiera trabajar con el señor Jackson y el señor Spielberg sobre un material tan específico como el de la obra de Hergé. En cierta manera es un poco intimidatorio por el alucinante talento que tienen todas esas personas pero por el otro se me presentó una oportunidad única. Steven Moffat hizo la gran mayoría del trabajo que veremos en Tintín, pero luego se tuvo que ir de la producción para hacerse cargo de la nueva temporada de Doctor Who y Sherlock. Edgar y yo acudimos a la llamada de Peter Jackson para ayudar a acabar de escribir el guión. Me vi involucrado porque Edgar sabe que soy un gran fan de Tintín y una vez dentro acabé trabajando en el proyecto durante varios meses directamente con Spielberg y Jackson. Solo puedo decir que fue increíble porque son iconos del cine de hoy, pero aun así hay muchísima otra gente con un gran talento involucrada en la película, en el guión, y yo solo soy la persona menos famosa y con menos talento. Vamos, una pequeña parte de una producción de una dimensión increíble.

Joe Cornish sonríe amigablemente en la entrevista para Uruloki

U: Hablando de Steven Moffat. Se trata de una de las mentes maestras junto a Russell T. Davies del alucinante retorno / renovación de Doctor Who. ¿Cómo ha sido trabajar con Moffat?, ¿te has planteado o te han planteado colaborar en la serie?

J.C.: Fui un seguidor incansable del Doctor Who cuando era pequeño. La serie siempre se rodó muy rápido y trabajan muy duro en cada episodio. En estos momentos creo que no soy lo suficientemente hábil para rodar algo de tanta calidad y de forma tan rápida. Además, no se, hay una libertad a la hora de escribir una historia original y sin embargo en Doctor Who tienes unas exigencias tremendas que requieren de paso cumplir con una base fan brutal y un universo establecido. Me gusta muchísimo la serie, así que en mi caso prefiero disfrutarla como espectador y no cagarla. [risas]

U: No lo creo, ¿puede que en el futuro?…

J.C.: Puede que en el futuro… [risas]

U: Hablando de Edgar Wright. Junto a él has llegado a Hollywood vía Tintín y en un futuro, esperamos, con Ant-Man para Marvel Studios. ¿Eres fan comiquero?, ¿cómo es tu Ant-Man ideal y qué te gustaría adaptar del género del cómic?

J.C.: Estamos muy contentos con nuestro guión de Ant-Man. Muy orgullosos. A principios de este año entregamos a Marvel Studios un nuevo borrador y en cuanto acabé con Attack the Block me fui rápidamente a trabajar de nuevo con Edgar. En el mes de julio terminamos un segundo borrador del guión. Yo soy un humilde escritor en el proyecto que se podría decir que es más de Edgar y Marvel. Por mi parte también espero que se haga. Sobre Ant-Man hay que decir que es un personaje muy peculiar, un superhéroe totalmente diferente a los que conocemos y como resultado el guión es algo muy distinto a nada que nadie haya escrito o planteado antes. Como quiero que sea una sorpresa no desvelaré nada más.

Sobre deseos de adaptación del mundo del cómic… soy un gran seguidor del cómic europeo y asiático, me gusta Moebius, adoro un autor japonés que se llama Taiyō Matsumoto, responsable de obras como Black & White, Ping Pong o Blue Spring, pero mi cómic favorito de siempre es "El lama blanco" de Alejandro Jodorowsky y el dibujante Georges Bess…

U: Complicado…

J.C.: Pero magnífico. De hecho estoy celoso del mundo comiquero europeo, por ejemplo, en la tienda Forbidden Planet de Londres hay muchísimo cómic americano, incluso vas a París a la Virgin megastore y hay una cantidad ingente de cómic europeo y me da rabia, celos, que tan poco material de este tipo se acabe traduciendo al inglés. Al final tenemos que esperar a empresas americanas que los compren y los traduzcan. La verdad, ojala pudiera leer cómics en español o en francés para poder disfrutar de todas esas historias.

U: Vamos a hablar sobre Attack the Block. ¿Cómo se gestó la idea? y, sobre todo, ¿estás contento con el resultado obtenido?

J.C.: Estoy muy contento con el resultado obtenido, ha sido mi primera película y por lo tanto ha sido la primera vez que he experimentado todo el proceso de desarrollo. Tengo claro que si lo hiciera otra vez me plantearía hacer cosas de otra forma pero gracias a que he contado con un gran equipo, mi director de fotografía Thomas Townend que también era su primera película hizo un trabajo magnífico que ha dado como resultado una visualidad muy buena, los actores, todos jóvenes, los once de ellos, solo dos habían hecho algo antes delante de la pantalla, creo que son sensacionales así que estoy tremendamente orgulloso de todo el trabajo que han hecho los que estaban a mi alrededor, de como me apoyaron, de como me apoyó la productora. La productora Nira Park también fue increíble, bla, bla bla…

Así que si, si tuviera la oportunidad de volver a hacer la misma película me plantearía cambiar algún detalle pero en conjunto estoy muy orgulloso de la película y del trabajo de la gente.

U: Te quiero plantear un pequeño debate surgido tras la proyección de Attack the Block. Que el "héroe" sea una persona problemática, un delincuente, provoca en algunos casos que el público no empatizará con él. ¿No crees que puede ser un problema de cara a ganarse un público que no logre abstraerse?

J.C.: Depende claramente del público. Creo que la narrativa contemporánea de hoy en día en el cine tiene muy poca aventura. Todas las películas insisten en comenzar con un personaje que en esencia es muy bueno pero yo creo que contar historias tiene que ser más interesante que ceñirse a eso. Soy consciente de que los personajes de Attack the Block comienza haciendo una cosa mala, esa era la idea, fue totalmente intencionada, y tengo claro que no hubiera habido película si esa idea no se plasmara. Yo le diría al público de películas de Hollywood que se preguntaran cuantas escenas violentas aceptan como las vistas en El juego del poder (Scarface) o incluso en Star Trek con amigos peleándose entre ellos… así que se tendría que cuestionar la moralidad de todas las películas desde su base. También le preguntaría a la gente que se plantearan si la reacción es apropiada teniendo en cuenta la cantidad de violencia que hay en Attack the Block comparada con la violencia de otras películas. Si la gente tiene un problema serio con ello, un problema que les impide conectar con la película pues les pediría que pensaran un poco acerca de esto.

Soy consciente de que lo que hacen los personajes al principio está muy mal, pero nuestra película tiene en el fondo una gran mensaje moral. Ellos provocan esta invasión pero luego se sacrifican para evitar las consecuencias. Creo que si lo que quieres es ver películas con personajes muy limpios y con la misma historia una y otra vez pues… a lo mejor esta película no es para ti.

Un cartel de Attack the Block de Joe Cornish

U: La pregunta obligada de toda entrevista a un director… ¿y ahora qué?, ¿existe ya algún otro proyecto en tu mende como director o guionista?, ¿miras con ansias una oportunidad en Hollywood o por el contrario prefieres seguir al amparo del sello británico?

J.C.: La verdad es que no lo se… iría a donde encontrara apoyo. En cuanto a lo que quiero hacer si que tengo otra idea, he empezado a escribirla pero quiero que sea un secreto.

U: Siguiendo con el debate, el personaje principal se llama Moses (Moisés) y claramente surge la idea de que este nombre fue seleccionado intencionadamente si tenemos en cuenta que Moisés fue también un salvador… ¿por qué Moses?

J.C.: Pues por dos razones. Cuando empecé a documentarme una de las primeras personas con las que hablé era un amigo mío que además se llama Moisés y me gusta el nombre. Además te hace recordar la esperanza y optimismo que sus padres tuvieron cuando le pusieron ese nombre. La gente que pone a sus hijos nombres bíblicos hacen que sus vidas tengan mucho significado y para mi era algo muy importante que el personaje de Moisés generara esa esperanza y optimismo con sus actos.

U: La música de Attack the Block se aparta de la tónica habitual melódica orquestada y se une a esa otra tendencia más electrónica como se puede escuchar en La red social o Drive. ¿Por qué ese estilo de música?

J.C.: La música de la película está influenciada por John Carpenter y sus bandas sonoras para La noche de Halloween o Asalto a la comisaría del distrito 13 en particular, también hay un poco de influencia de las bandas sonoras de John Williams. Sobre ese otro estilo más melódico pues creo que no iba a encajar en lo que se quería mostrar y por eso se optó por darle ese toque pop electro similar a la música que escuchan los personajes. Como quería que tuviera una banda sonora adecuada, necesitaba música dinámica, elástica y que fuera acorde con la acción de la película. Si ves Indiana Jones en busca del arca perdida la música sigue a la acción y muchas películas contemporáneas tiene canción tras canción de la época, y eso es justo lo que buscamos, una banda sonora que tuviera la forma de una banda sonora antigua pero con aspecto de música moderna relacionada con el momento de la película. Creo que Steven Price y Basement Jaxx Jack hicieron un trabajo extraordinario, hemos tenido mucha suerte y estoy francamente orgulloso de tener su música en nuestra película.

U: Para terminar hablar un poco de los efectos especiales de Mike Elizalde y su equipo de Spectral Motion. Una empresa que ha trabajado para Guillermo del Toro, en efectos de los 4F o los X-Men. ¿Como ha sido trabajar con esta compañía y cual es la razón de que la criatura sea más que negra?

J.C.: Spectral Motion acababa de hacerse cargo del diseño de la criatura alien de Paul de Greg Mottola y por Big Talk Productions viene la relación. Creo que son la mejor empresa de practical effects del mundo…

U: Junto con KNB EFX Group…

J.C.: Si, tienes razón, Greg Nicotero es el rey, pero diría que se encuentran al mismo nivel. Así que fue la elección más obvia, misma compañía productora y contentos con el resultado pues trabajan de nuevo para Attack the Block. Y ya sabes, Mike es un tipo muy inteligente, con un coche muy chulo, muy chulo. El diseño está inspirado en mi gato, tengo un gato negro, tuve un gato negro cuando era niño, y me encanta la forma en la que un gato se presenta cuando se le ilumina por detras, parece completamente plano, como una silueta, por lo que me dio una idea para crear una criatura que se oculta en la sombras y que cuando se acerca a ti sigue siendo completamente negra e imposible de imaginar. Eso me recordó a la técnica del rotoscopio que usó Ralph Baski en su día en El Señor de los Anillos y pensé que sería interesante hacer una criatura, un monstruo, que daría miedo porque tener completa ausencia de detalle, alejado de modelo de criatura que se hace en Hollywood por técnicas CGI y que está repleta de detalle, algo que al final, a mi parecer, le hace poco real.

Y hasta aquí la entrevista mantenida con Joe Cornish. 25 minutos de charla, con risas, momentos serios y una par de divertidas fotos.

Sin lugar a dudas este es el corto que más me gustó de los que vi en Sitges 2011 y el que más me sorprendió junto a "Mi burro: esos hueos" (2011), este bastante grotesco y con una animación de esas que te dejan perplejo de lo casposa y resultona que resulta. En el caso de "Decapoda Shock" (2011) de Javier Chillón estamos ante una delicia surrealista e inimaginable sobre un astronauta que nos narra, voz en off del polaco Jaroslav Bielski, su viaje a un lejano planeta y como acaba contaminado y mutado ya de regreso a la Tierra hacia eso que veis en el cartel… un hombre-cangrejo man que no para de causar carcajadas con sus pinzas a lo Doctor Zoidberg. El corto está repleto de detalles para el recuerdo como guiños a El planeta de los simios (Planet of the Apes, 1969) o al mundillo de los fanzines, el teatro, Bollywood y la serie B más amplia. Ojito, porque no en vano "Decapoda Shock" se llevó el premio al Mejor Cortometraje Fantástico en el pasado Fantastic Fest. Si tenéis oportunidad de verlo no lo dudéis, vale mucho la pena para echarse unas risas y darse cuenta como con muy poco se puede lograr mucho… solo hacen falta buenas y surrealistas ideas. Primero os dejo el trailer…

Y ahora el póster!!

Cartel del magistral corto Decapoda Shock

 NOTA  Mucha más información en www.javierchillon.com.

Sigo con la recopilación de mini reviews a los films que pude ver en el SITGES 2011 – 44 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Hoy es el turno de dos películas y un poco más tarde un corto. De paso aprovecho para comentar que ayer me fui al cine a ver Intruders (2011) de Juan Carlos Fresnadillo y que la decepción que me he llevado ha sido morrocotuda. Supongo que acabaré haciendo una análisis porque tiene cosas bastante buenas, pero en conjunto me ha dejado indiferente. En fin, al tema festivalero… hora de The Sorcerer and the White Snake y de Another Earth, film que por cierto se estrena este próximo fin de semana.

The Sorcerer and the White Snake (2011) de Siu-Tung Ching

El género wuxia estuvo presente en Sitges 2011 con este proyecto dirigido por el mítico Siu-Tung Ching y protagonizado por otro de los grandes adalides de este tipo de películas… el impagable Jet Li. Pero toda la magia que tienen este tipo de películas, mirando a lo grande podría citar Héroe (Ying xiong, 2002), Tigre y dragón (Wo hu cang long, 2000), La casa de las dagas voladoras (Shi mian mai fu, 2004) o incluso el propio pasado de Ching con Una historia china de fantasmas (Sien nui yau wan, 1987), pierde toda su gracia cuando la era de los efectos digitales hace acto de presencia y sobrecarga hasta la extenuación un estilo cinematográfico que no se merece este trato. Algo de lo que uno disfruta en el wuxia es el teatrillo, el momento cable, la mágica artificialidad de las secuencias… pero no mola si todo esto es sustituido por escenarios digitales, ondas más propias de las aventuras de Son Goku y algún que otro despropósito que en lugar de engrandecer miniaturiza el resultado. The Sorcerer and the White Snake cuenta la historia de amor imposible entre Xu Xian (Raymond Lam) y un demonio con forma de serpiente blanca (Shengyi Huang). Xian es salvado de morir ahogado por la joven y esta decide buscarle para acabar compartiendo su vida, primero mediante un encantamiento aunque luego las razones tomarán un cariz muy diferente. En medio del fregado tenemos a un monje llamado Fa Hai (Jet Li) que se hace cargo de eliminar a los demonios que se descuidan caminando entre nosotros.

Cartel de The Sorcerer and the White Snake / It’s Love

Another Earth (2011) de Mike Cahill

Sin lugar a dudas una de las agradables sorpresas del festival. Un drama de dimensiones planetarias donde una joven llamada Rhoda (Brit Marlinh) ve truncanda su vida por completo el día que es aceptada para estudiar en el MIT, el mismo día que bebida acaba teniendo un accidente contra un vehículo donde va un matrimonio y su hijo. Como consecuencia del brutal choque la mujer, embarazada, y el hijo del matrimonio fallecen con el padre quedando en coma. Tras pasarse varios años en la cárcel, Rhoda buscará la redención a su acto ayudando a John Burroughs (Wiliam Mapother), ese padre de familia cuya vida cambió por completo la noche en la que Tierra 2 fue descubierta, la noche en la que en un accidente de tráfico perdió a toda su familia. Rhoda, que oculta su verdadera identidad a John, verá como su relación con este se estrecha al tiempo que piensa sin cesar en Tierra 2. Dura, rompedora y ciertamente emotiva, la triunfadora del pasado Festival de Sundance ha sido una auténtica delicia donde hay cabida para una sorprendente dosis de ciencia ficción que envuelve una historia de esas que enganchan y acaban doliendo.

Un cartel de Another Earth

Llego de mi ruta al monte Enxa, 16 kilómetros en los que he podido hacer alguna que otra fotillo que he colgado en Flickr, y me encuentro con que el SITGES 2011 – 44 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ha desvelado ya su palmarés. No me ha dado tiempo a publicar todas las mini reviews antes de la entrega de premios pero seguiré con este trabajo a lo largo de los próximos días, estad muy atentos. Sobre los premios… pues bastante repartido, alucinado estoy con Red State de Kevin Smith y con alguno que otro que te deja medio estupefacto. Echo en falta películas en este palmarés y me sobran otras. Otra de las grandes triunfadoras Attack the Block de Joe Cornish que se ha llevado 4 premios en 3 de las competiciones. Muy pronto la entrevista que concedió al blog… ahora los premios.

OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓ – SITGES 44

• Mejor Película para Red State, de Kevin Smith
• Premio Especial del Jurado para Attack the Block, de Joe Cornish
• Mejor Director Na Hong-jin por The Yellow Sea
• Mejor Actor Michael Parks por Red State(Kevin Smith)
• Mejor Actriz Brit Marling por Another Earth (Mike Cahill)
• Mejor Guión Lucky Mckee y Jack Ketchum, por The Woman (Lucky Mckee)
• Mejor Fotografía Markus Förderer y Tim Fehlbaum, por Hell (Tim Fehlbaum)
• Mejores Efectos Especiales Lluís Castells y Javier García por Eva (Kike Maíllo)
• Mejores Efectos de Maquillaje Steven Kostanski por The Divide (Xavier Gens)
• Mejor Diseño de Producción Marc Thiébault por Livide (Alexandre Bustillo & Julian Maury)
• Mejor Banda Sonora Original Steven Price por Attack the Block (Joe Cornish)
• Mejor Cortometraje Ex aequo a Dirty Silverwear, de Steve Daniels, y The Unliving, d’Hugo Lilja

OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓ ÒRBITA

• Premio Especial del Jurado para Colour Bleed, de Peter Szewczyk (cortometraje)
• Mejor Película para Guilty of Romance, de Sion Sono

JURADO CARNET JOVE

• Mejor Película OFICIAL FANTÀSTIC A COMPETICIÓ – SITGES 44 para Bellflower, de Evan Glodell
• Mejor Película MIDNIGHT X-TREME para Detention, de Joseph Kahn

NOVES VISIONS

• Mejor Película para Night Fishing, de PARKing CHANce (Park Chan-wook i Park Chan-kyong)
• Diploma Película No Ficción para Knuckle, de Ian Palmer
• Diploma Película Discovery para Invasion of Alien Bikini, de Oh Young-doo
• Diploma Película Dark Ficción para Kill me please, de Olias Barco
• Diploma Millor Cortometraje para Coup de grace, de Clara van Gool
• Mención Especial para Underwater Love, de Shinji Imaoka

CASA ÀSIA

• Mejor Película para The Unjust, de Ryoo Seung-wan

Gran Premio del Público – El Periódico de Catalunya

• Mejor Película para Attack the Block, de Joe Cornish

ANIMA’T – Premio Gertie

• Mejor Largometraje de Animación para Tatsumi, de Eric Khoo
• Mejor Cortometraje de Animación para Dripped, de Léo Verrier
• Diploma al Mejor Largometraje Sitges Family para Leafie, de Oh Sung-yoon

MÉLIÈS DE PLATA

• Méliès d’Argent a la Mejor Película Europeam para Kill List, de Ben Wheatley
• Mención Especial para Hell, de Tim Fehlbaum
• Mención Especial para Krokodyle, de Stefano Bessoni
• Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Europeo para The Unliving, de Hugo Lilja
• Mención Especial para Magic Piano 3D, de Martin Clapp

MÉLIÈS DE ORO

• Méliès de Oro a la Mejor Película Europea para Balada Triste de Trompeta, de Álex de la Iglesia
• Méliès de Oro al Mejor Cortometraje para Suiker (Sugar), de Jeroen Annokkee

PREMIOS DE LA CRÍTICA

• Premio de la Crítica Jose Luis Guarner para Attack the Block, de Joe Cornish
• Premio Citizen Kane al director/a revelación Ex aequo a El páramo, de Jaime Osorio, y Trabalhar cansa, de Juliana Rojas i Marco Dutra

BRIGADOON Paul Naschy

• Mejor cortometraje para 8, de Raúl Cerezo

Ya retirado del SITGES 2011 – 44 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya me pongo manos a la obra que hay trabajo para dar y tomar. Más si tenemos en cuenta que el sábado estaré por completo desaparecido en mi aventura de ascenso, una ruta de senderismo, al monte Enxa. Con esta entrada que estáis me faltan once para cerrar mi periplo de 6 días hábiles de cine en el festival más uno de viaje. En fin, igual el año que viene tiro la casa por la ventana y me paso los 10 días completo porque me he quedado con indudables ganas de más… mucho más! Al tema, hay que hablar de las dos primeras películas que vi el pasado domingo día 10 de octubre, se trata de la cinta de animación francesa Les Contes de la Nuit y la arriesgada aventura de ciencia ficción labrada en esta tierra y titulada como Verbo.

Les Contes de la Nuit (2011) de Michel Ocelot

El cine de animación más mágico debutó en Sitges de la mano de Michel Ocelot, el responsable de la premiada Kirikú y la bruja (Kirikou et la sorcière, 1998). Les Contes de la Nuit es una fusión de diversas fábulas protagonizadas siempre por los mismos personajes, dos jóvenes y un anciano, que se cuelan en una especie de teatro que les lleva a formar parte de varios mundos imaginarios. Combinando animación 2D con 3D, Ocelot pone todo el énfasis en el colorido más desbordante para así reflejar las distintas culturas en las que tiene lugar los cuentos, al tiempo que saca provecho del protagonismo de las sombras chinas con que da forma a los intérpretes de las mismas. Lo curioso es el uso del 3D, ya que son los fondos los que explotan esta técnica para trasladarnos a lugares tan remotos y diferentes como África, Arabia, la Europa medieval, la América azteca o el mismísimo Caribe. Eso si, en este caso me atrevería a recomendar ver la película sin gafas, ya que la polarización de las mismas oscurece la imagen de tal manera que resulta triste ver como se pierde la práctica totalidad de la magia de los dibujos del film de Ocelot. La película se divide en seis fábulas tituladas El hombre lobo situada en la Europa medieval, El pequeño Juan y la Bella Desconocida que nos traslada al Caribe, El niño Tantán y su aventura en África, El elegido de la ciudad de oro en el reino Azteca, El niño que no mentía nunca en las montañas del Nepal y La joven cierva y el hijo del arquitecto también en Europa. Muy pero que muy recomendable, os invito a ver el trailer para que admiréis de que estoy hablando.

Cartel de Les Contes de la Nuit

Verbo (2011) de Eduardo Chapero-Jackson

Otra de las aventuras en el género del cine español que han rondado Sitges 2011. Eduardo Chapero-Blanco nos lleva de la mano a una ciudad del extrarradio de una gran ciudad donde vive Sara (Alba García), una joven de 15 años con un serio problema de atención, autoestima e identidad gracias a una vida muy gris y problemática a la que dan forma unos padres que le hacen nulo caso, Najwa Nimri parte contratante. En este mundo poligonero, revolucionario y muy grafitero, Sara empieza a intuir que existe algo más de lo que ven nuestros ojos, algo escondido que empieza a obsesionarle y que siempre tiene en Líriko (Miguel Ángel Silvestre) su aparente responsable. Guiada por su instinto, comienza a encontrar una serie de inquietantes mensajes y pistas que le acaban por llevar a una nueva dimensión, peligrosa y terrorífica, en la que deberá protagonizar un viaje iniciático acompañada por los pintorescos Líriko, Medussa, Tótem, Hermes o Prosak, para salvar su vida. Y con este trasfondo como historia el resultado no puede ser más desolador. Las intenciones no están nada claras… ¿esto es ciencia ficción?, ¿una amago de Matrix a la española?, ¿se trata de un drama juvenil con una niña al borde de una crisis personal que la llevará al suicidio como única vía de escape? o ¿estamos ante un intento de ganarse un pírrico número del publico adolescente potencial de este país? No se lo qué es o qué pretende, pero al resto compradores de entradas Verbo les parecerá atroz, inclasificable y, por que no decirlo, de chiste. Está bien hecha, cuenta con una buena producción y combina ideas a las que el cine de este país no está acostumbrado. Pero esto no es suficiente para evitar la hecatombe. Uno se queda perplejo ante el patetismo de los diálogos / rimas, ante las vestimentas de los habitantes del mundo imaginario de Sara – monopatín, piercings, tatuajes y sudaderas con capucha para parecer malosos -, o ante el intento de dar sentido a algo que no lo tiene mediante un bombardeo hip-hop que fusiona en un combate de versos referencias de Street Fighter y aroma a 8 millas (8 Miles, 2002). Desconcertantemente mala.

Cartel final del film de ciencia ficción español Verbo

La noche del sábado fue una noche particularmente gratificante. El SITGES 2011 – 44 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya presentaba ante el público otro de los grandes proyectos patrios que están teniendo destacada presencia en el festival. En esta ocasión era el turno de Mientras duermes (2011), la nueva película de Jaume Balgueró protagonizada por un inconmensurable Luis Tosar, actor genial, y Marta Etura, sufridora de turno de la paranoica personalidad del protagonista. Aprovechando la presencia del director catalán, que le debe mucho a este festival, este se llevó para casa uno de los premios Máquina del Tiempo que la organización concede a personajes de la industria y el género con solera… Balagueró es por lo tanto una de ellas. Y no cabe duda que hay razones suficientes para este reconocimiento.

Mientras duermes, película con un gran guión de Alberto Marini, nos cuenta la historia de César (Luis Tosar), un personaje infeliz que para superar su deformidad mental hace el mal de la forma más sutil y macabra que uno se pueda imaginar. Su máxima se podría resumir en "si no puedes ser feliz dedícate a joder al resto y listo, todos tan contentos". César es el encargado de mantenimiento y portero de un edificio en una ciudad cualquiera, convive con los vecinos, les hace trabajos en sus viviendas, reparte el correo, etc. Eso por el día, por la noche se cuela en la casa de Clara (Marta Etura) y convive con ella. Mientras duermes es asfixiante, te pone nervioso, o muy nervioso, y confirma por enésima vez que Luis Tosar, o más bien el personaje que encarna, es la persona más desagradable que ha visto el mundo del cine español nacer. Genial en muchísimos aspectos, de lo mejorcito del año en cuanto a género, merece de paso prestar mucha atención Iris Almeida, jovencísima actriz que habrá que vigilar por el papelazo que hace. No se puede ser más cabrona… con todo el respeto del mundo.

Un cartel de Mientras duermes de Jaume Balagueró

Bueno, día dos en el SITGES 2011 – 44 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y arranco con dos debutantes en el arte de la dirección cinematográfica. En primer lugar tenemos una película alemana de corte post-apocalíptica que viene apadrinada por Roland Emmerich, y, de segundo plato, una británica con una barriada haciendo frente a una invasión alienígena que cuenta con Edgar Wright como productor ejecutivo. Aquí mismo os dejo con estas mini reviews que no hay tiempo para mucho más…

Hell (2011) de Tim Fehlbaum

Pues esta es la apuesta teutona para dar a conocer al debutante Tim Fehlbaum y descubrir su primera incursión como director en esto del cine. Hell nos traslada a un hipotético futuro post-apocalíptico donde el cambio climático y tormentas solares de no te menees han llevado eso de dar un típico paseo al sol al extremo de considerarlo un juego letal. La temperatura del planeta a subido 10 grados de media y, tras el caos, el que no ha fallecido por las quemaduras solares es carne de cañón como no sepa moverse para encontrar comida, agua o incluso sombra. En este desesperante entorno conocemos a Phillip (Lars Eidinger), su novia Marie (Hannah Herzsprung) y Leonie (Lisa Vicari), la hermana pequeña de esta. Tres supervivientes en un mundo asfixiante que cruzan el desértico páramo montados en un coche que está pidiendo papas. Tras una obligada parada en una gasolinera abandonada se cruzarán con Tom (Stipe Erceg), un mecánico que a duras penas puede sobrevivir pero que se acabará uniendo al grupo en su periplo a las montañas. A partir de aquí la tónica general, viajas por un mundo desolado, te cruzas con quien no debes y, claro está, pasa lo que pasa. Fehlbaum debuta, eso es bueno, pero no aporta nada, esto no lo es tanto. Hell es en definitiva más de lo mismo, una combinación de ideas ya plasmadas en cine con mejor o peor suerte, véanse La carretera (The Road, 2009) o Infectados (Carriers, 2009) por citar un par. Pese a contar con un ritmo desigual e incongruencias varias, la película puede llegar a entretener, pero en mi caso ni eso. Aburrida y demasiado predecible. En el cine hay que buscar un poco de originalidad, Hell copia y se queda tan ancha.

Un cartel de Hell de Tim Fehlbaum

Attack the Block (2012) de Joe Cornish

Probablemente una de las películas que más deseaba ver este año y, la verdad, no me ha defraudado lo más mínimo. También debutando en la dirección, Joe Cornish decide apartarse de la habitual tónica del cine de monstruos vs. teenagers que tan buenos momentos nos ha hecho pasar en nuestra juventud, el propio director ha citado en la presentación en Sitges 2011 clásicos de todos los niveles como E.T. El extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982), Critters (1986) o Gremlins (1986), y nos traslada a un barrio complicado de Londres donde las drogas, la violencia y las bandas macarras mandan. Y mandarían más si no fuera porque una noche de fiesta comienzan a caer unos meteoritos que traen en su interior a unas criaturas letales, monstruos más negros que una noche sin luna y de los que solo se distinguen los dientes fluorescentes con los que devoran a sus víctimas. Cornish concibe una historia de sobra conocida pero se carga todos los tópicos habidos y por haber refrescándola maravillosamente. La adorna además con una música electrizante obra de Steven Price, unos efectos especiales de primer nivel creados por Mike Elizalde y la gente de Spectral Motion y un reparto que, como él, debuta en su mayoría en esto del cine. Nuevamente hay que rendirse ante un grupo de teenagers que te deja con la boca abierta donde John Boyega y Alex Esmail destacan sobremanera. Luego es cuestión de añadir algo de Nick Frost y un poco de Jodie Whittaker, el resultado es un bombazo… aunque un bombazo que logra el éxito envuelto en cierta polémica. ¿Se puede acabar empatizando con un grupo de protagonistas cuyo mayor objetivo en esta vida es dedicarse al tráfico de drogas y a atracar a las personas decentes?, ¿puede ser tu héroe una persona violenta y sin objetivos decentes en esta vida? Complicado, pero por eso el cine es cine y de vez en cuando hay que abstraerse incluso más de lo que ya lo hacemos.

Vistoso cartel de Attack the Block de Joe Cornish