Hace ya un par de semanas entré en modo voy a ver todo lo que me echen encima y, sin miramientos, acudí con idea de "disfrutar" de lo que podía ofrecer Ultimátum a la Tierra (2008) de Scott Derrickson. Este nuevo remake que Hollywood se saca de la manga no pasará a la historia y se unirá a la cada vez más larga lista de fracasos cinematográficos basados en ideas previas que están en la mente de todo aficionado al terror, ciencia ficción o fantasía. ¿Qué es Ultimátum a la Tierra? Pues un completo desastre, un aburrimiento como no se ha hecho en mucho tiempo y la enésima demostración de que hay gente con demasiado tiempo libre para revisar los clásicos y pocas ideas nuevas que ofrezcan algo de luz en el cine venido de USA.

Hay que reconocer que poco más se puede sacar de la idea original del clásico de la ciencia ficción que dirigió en 1951 Robert Wise. Cuando anuncias un remake y te ciñes 100% a lo que debes contar, y como, pues no hay muchas posibilidades de igualar o por lo menos acercarte al nivel de la obra de la que bebes. Nuevamente la Tierra se está muriendo y un organismo controlador de todas las galaxias del espacio se ha dado cuenta la que estamos montando y ha decidido acabar con todo ser viviente que puebla nuestro planeta. Como cabeza pensante del kit invasor tenemos a Klaatu, un soporífero y acartonado Keanu Reeves, acompañado por su ¿adlátere? Gort, un androide de dimensiones estratosféricas que engaña a la vista. Igual que en el original Klaatu es capturado, encerrado y cuchicheado por las altas esferas del dominio mundial, grupo que encabeza una desastrosa Kathy Bates, todo en ella sonroja. A diferencia de la primera versión Klaatu no quiere hablar de lo que debemos cambiar, no, aquí viene a decirnos que vamos a palmarla todos y santas pascuas… no hay redención.

De forma similar al original, mujer de por medio, Klaatu escapa de sus captores. Es en este punto cuando Helen Benson, una siempre convincente Jennifer Connelly, intenta hacer en razón al extraterrestre que podemos cambiar, que después de estropear las cosas siempre tenemos a mano un parche o remiendo para tapar esos agujeros. En su periplo de concienciación Helen lleva a Klaatu de visita para ver al Profesor Barnhardt (John Cleese), mismo personaje de la versión original pero que aquí ve reducida su participación a unos míseros 2 minutos. Barnhardt no hace entrar en razón a Klaatu y claro, Hollywood se guarda para estas cosas el comodín del niño… Jacob Benson, hijo de Helen y un militar fallecido, y que está interpretado por un cargante e inaguantable Jaden Smith, lo que hace ser hijo de. Saca de quicio, sobreactúa, resulta desquiciante y el solito, con cierta ayuda moquera de la madre, logrará hacer entrar en razón a Klaatu.

¿Y que pasa con Gort? Pues ni Klaatu barada nikto, ni secuestro de la damisela ni hostias en vinagre. Gort es esta vez un megabot humanoide que tiene la capacidad de transformar su cuerpo en polvo del desierto repleto de granitos robóticos con forma de plaga de langostas. Ala, para esto vale Gort, el destrozador. Los efectos especiales del androide tampoco son para dar saltos de alegría. Si tal mola su aparición y alguna de sus actuaciones lanzando el famoso rayo que todo los pulveriza, pero poco más. El resto de lo que ofrece Scott Derrickson no pasará a la historia. Una resolución de pacotilla, da la sensación que un impulso electro magnético en condiciones es la clave de todo, y punto. Me pregunto entonces, ¿para qué hacer remakes si no pretendes innovar y mejorar lo hecho en su día?

Ojo, la famosa secuencia de 5 minutos filtrada por la propia 20th Century Fox, aquella que cuenta como Klaatu es sometido a una sesión de maquinitis de la verdad, es sin dudarlo de lo mejorcito de la peli. Las mejores frases del visitante de las galaxias provienen de esa secuencia. Es triste ver como estudios de audiencia ofrecen este tipo de información a las compañías para así luego vender mejor un producto inmerecido en todos sus aspectos. Con esto no quiero decir que la Fox sea así de lista, Columbia, Sony, Warner Bros., Miramax, Disney, Dimension, New Regency, Paramount, Universal, Lionsgate… todas son así. Venden su producto y lo suelen hacer de maravilla. En este caso, y para un presupuesto de 80 millones de dólares, el nuevo Ultimátum a la Tierra ha cosechado mundialmente, y hasta el momento, menos de la mitad de lo invertido. Eso si, le sobran opiniones del público que la ponen a caldo. De lo peorcito del año…

Aprovechando la tarde del 25 de diciembre, una tarde en la que por lo general suele sobrar tiempo para hacer otras cosas, he podido pasarme por el cine para ver The Spirit (2008) de Frank Miller. Sin lugar a dudas es complicado hablar de un film como este sin acabar por descontentar a alguien. ¿Es The Spirit tan malo como lo pintan al otro lado del charco? Pues si os digo la verdad no me ha parecido la gran basura que indicaban de costa a costa todos los portales de peso en USA. ¿Es por ello una película salvable? Pues triste y descaradamente no. Tengo que reconocer que no me ha disgustado, pero lo más importante es que tampoco me ha acabado por convencer, para pasar el rato y ponerla a caer de un burro…

The Spirit es una demostración de que Frank Miller no tiene ni idea de como hacer cine, los trucos para dar ritmo a un película, de como hacer diálogos fluidos, con cierta conexión y que ofrezcan un pelín de lucidez para que algo suene con un poco de sentido y no a completa tontería. En el campo del guión el trabajo realizado es un completo despropósito plagado de frases chocantes, por momentos absurdas y, mira tu por donde, tronchantes de tan malas que son. Poned a los mandos a Zack Snyder o a Robert Rodriguez y Quentin Tarantino, dejemos trabajar la adaptación del guión a gente como el propio Snyder, Kurt Johnstad o Michael Gordon, entonces podrás hacer una película con chicha, donde los personajes transmitan algo más que vacío y donde el guión y la historia te llamen para permanecer atento a la pantalla. Frank Miller debe dedicarse al arte que domina, el arte del cómic. Cosas como 300 (2007) o Sin City (2005) se deben en gran parte a su arte, a sus historias e imaginación, pero no solo a él… más bien al gran equipo que puso en funcionamiento la máquina.

Negro, rojo y blanco… los colores en The Spirit

Miller no sabe como funciona el cine y se pasa todo el rato despistando a la gente, mareando la perdiz con situaciones rocambolescas como la pelea inicial, una mala y extensa explicación de la relación entre The Spirit y Sand Saref, las vicisitudes del protagonista con las mujeres, su gran y permanente odio a su gran enemigo, etc. A esto le suma una maldita obsesión por el uso del estilo comiquero de Sin City haciendo de The Spirit una sincityzación o frankmillerización de la obra de Will Eisner. Vale, puede ser una buena idea por eso del aspecto visual, el aprovechamiento del gran uso de los efectos visuales para la composición. Hay que reconocer que por momentos queda genial, pero ¿no hubiera sido mejor apartarse del estilo ya utilizado para que no lastre a un proyecto que debería ser diferente? Luego tenemos el noble arte de intentar hacer un film con actores reales bebedor del género slapstick. Vale que Bruce Campbell en sus mejores tiempos con Sam Raimi como director de orquesta era capaz de eso y más, pero ni Gabriel Match y menos todavía Samuel L. Jackson son los más indicados para llevar adelante semejante intento. El estilo de la pelea inicial, larga hasta decir basta, no tiene continuidad el resto del film… entonces, ¿por qué la incluyes? The Spirit tampoco se merece ser parte de ese pastiche.

Luego el reparto. Gabriel Match como The Spirit no está mal pero los diálogos que reza son en la gran mayoría de momentos bastante penosos. Luego el villano de turno, The Octopus, un personaje nunca visto en el cómic y aquí interpretado por un agotador y ultra protagonista Samuel L. Jackson. Ambos personajes abusan del monólogo hasta la extenuación, pero lo de Jackson es de risa. Sus diálogos no tienen salvación, hay un momento en el que durante 3 minutos se pone a hablar sobre los huevos marrones de las gallinas, de lo poco que le gustan y bla, bla, bla. Luego tiene frases imposibles como ese "mortal como Star Trek", tristemente se merece un WTF como una casa. No digamos nada de la escena donde explica a The Spirit la razón de ser como es… mejor no contar nada pero lo de usar toda la iconografía nazi es el acabose. Puede que acertado por lo que transciende, pero increíble al fin y al cabo.

Psicodelia, psicotronía y LSD nazi… el no va más

Como cierre otra de las obsesiones de Miller, y supongo que de todo el mundo… las bellas mujeres, que si son voluptuosas pues mejor que mejor. Sand Saref (Eva Mendes) es un personaje plano, impresionante en todo momento pero plano hasta decir basta, Plaster of Paris (Paz Vega) otro tanto de lo mismo, aunque Ellen Dolan (Sarah Paulson) quizás tenga un poco de vida lo de Silken Floss (Scarlett Johansson) asusta… realmente uno no sabe quién lleva los pantalones, si ella o The Octopus. Eso si, vestidos geniales, curvas peligrosas y unos escotes para perderse en ellos. El tema de Lorelei Rox (Jaime King) ya no lo controlo tanto y no se como era en el cómic, pero suena a paja mental y de las gordas.

¿Y la historia qué? Pues la historia es curiosa, The Octopus quiere hacerse con la sangre de Hércules para ser el no va más, Sand Saref quiere el vellocino de oro de Jasón porque está obsesionada con el, y en medio tenemos a The Spirit intentando en todo momento acabar con su Némesis… ni más ni menos. Muchos brincos, acción curiosa, escenas divertidas y diálogos penosos. Ahora mismo no recuerdo lo que dice el agente colega de The Spirit que está a punto de morir en el lodazal, la palabra utilizada es de coña… si un alma caritativa la recuerda se lo agradecería, eso si, es cosa del doblaje, igual que los clones que acompañan a The Octopus, palurdos y absurdos. No se por qué le dan ese acento. Incomprensible.

Hoy, último jueves de noviembre, es Acción de Gracias en todos los territorios de norteamérica salvo México. Las noticias al otro lado del charco son pocas o nulas dependiendo del portal en el que mires. Así que aprovecharé para recuperar un post que tenía ahí pendiente y que es la opinión del último film de James Bond.

Este pasado fin de semana pude acudir de buena gana a una de las ineludibles citas cinematográficas del año, el vigésimo segundo episodio del renovado e impactante subgénero en que se ha transformado, con merecimiento, todo aquello que rodea al icónico agente 007 del MI-6 británico. Curioso es sin embargo que cuando uno visiona Quantum of Solace (2008) de Marc Forster, el resultado es lo menos cercano al idolatrado pastiche del cachivache imposible que ha sido hasta hace poco la saga. El resultado en comparación con el Casino Royale (2006) del siempre solvente Martin Campbell es inferior en cuanto a la historia, guión y profundidad de los personajes, Quantum of Solace se descubre sin embargo como un film de acción interminable donde James Bond clama venganza y no duda en matar primero y preguntar después… con más fracaso que éxito en esta segunda tarea.

Retomando el genial final de Casino Royale, esa escena de James Bond (Daniel Craig) avanzando todo trajeado con un rifle de asalto hacia Mr. White (Jesper Christensen) es perfecta, continuamos en la batalla personal del agente secreto por acabar con todo aquello que le recuerde a Vesper Lynn (Eva Green). Razones tiene. La clásica escena inicial, donde la espectacularidad debe primar si o si, es una interminable persecución por estrechas carreteras alpinas al borde del Lago di Garda. Un Aston Martin, aquel cuyos hermanos acabaron en el fondo del mar matarile rile rile, es perseguido a velocidad de infarto por dos Alfa Romeo por estrechas carreteras de doble sentido plagadas de camiones y Carabinieri que no saben donde narices se meten. De ahí pasamos a unos títulos de crédito que recuerdan mucho más al modelo de la era gloriosa de Maurice Binder que al renovado estilo introducido con éxito en Casino Royale. Eso si, de la potencia del tema cantado por Chris Cornell, imprescindible "You Know My Name", caemos ahora en la electrónica, y mucho más clásica, "Another Way to Die" de Alicia Keys y Jack White. No es que no mole, a mi me gusta, pero hay que reconocer que viste menos.

La película se embarca desde ese momento en una línea de continuación donde hay menos hueco para la factoría Bond y más para la idea de narrar algo que debe seguir su curso regado con actuaciones violentas. El agente secreto por excelencia decide confiar en sus investigaciones, aportando como buen empleado notas a su superior M (Judi Dench), y ver hacia donde le llevan cada una de las pesquisas que caen en sus manos. Traiciones, malos entendidos, reencuentros, tragedias y nuevas chicas Bond con mejor o menor potencial, me quedo con la inocencia de "Strawberry" Fields (Gemma Arterton) antes que con la no tanteada explosividad de Camille (Olga Kurylenko), se ven engrandecidos con toques de humor bastante negro y las primeras socarronerías de las que Sean Connery hizo gala. En cuanto al villano, pues que decir… flojo. Creo que el verdadero potencial de Mathieu Amalric (Dominic Greene) se ha quedado en la sala de las ideas. Acompañado por un segundo que no ofrece interés como en otro tiempo, pierde más fuelle con su extraño plan, todavía sigue sin convencerme, y con la participación del General Medrano (Joaquín Cosio)… una de las historias más viejas de las agencias de inteligencia secretas en USA sirve para introducirlo en materia. Sigo pensando que Le Chiffre (Mads Mikkelsen) es como debe ser un villano de una peli de Bond.

En definitiva, un film la mar de entretenido pero que nuevamente nos deja con la maldita necesidad de ver como sigue la historia iniciada en Casino Royale, porque para mi no ha terminado. No quiero despedirme sin indicar que, como fan y adorador de Bond, espero que el tiempo me de la razón y que SPECTRE (Special Executive for Counter-intelligence, Terrorism, Revenge and Extortion – Ejecutivo Especial para Contraespionaje, Terrorismo, Venganza y Extorsión) tenga algo que ver con Quantum… algo no puede ser tan grande sin ser fiel a la idea original (7 letras las dos palabras, se repite una vocal 2 veces, etc.)

Aprovechando que pasa el Pisuerga por Valladolid, y dado que no ayer no hubo ni una mísera noticia digna de destacar desde el otro lado del charco, me pongo con la opinión sobre Wanted – Se busca (2008), la libre adaptación de la famosa y violenta obra de Mark Millar y J. G. Jones que ha dirigido el director ruso Timur Bekmambetov.

Veamos, creo que hacía tiempo que no veía una adaptación comiquera más libre que esta, será por los pocos años de vida que tiene este ahora imperante subgénero, pero lo de Wanted – Se busca riza el rizo más allá de lo esperado. ¿Tiene similitudes con el interesante cómic de Millar y Jones? Pues si, la base, el fondo de la historia que lleva a Wesley Gibson (James McAvoy) a formar parte de una sociedad de asesinos de élite con ciertas características apartadas de lo común está presente. Del resto tenemos detalles, conceptos, situaciones y poquito más. El aporte de ciencia ficción de criaturas grotescas con poderes extraños y diferenciados tan importante de la obra gráfica, aquí se difumina en una serie de personajes que, no muy originalmente, comparten todos el mismo poder que en el cómic la familia de Wesley poseía: taquicardias a ritmos infernales que permiten controlar tus movimientos de manera sobrenatural y agudizar la puntería con sutiles toques curvilíneos.

Con una trama parecida pero bastante apartada del cómic, Wesley Gibson es atraído a un mundo exclusivo tras serle anunciado que su padre, el mejor asesino de la historia, acababa de ser cazado en la azotea de un edificio. Al principio descreído, se irá metiendo en la realidad que ahora le rodea y terminará por entrar a formar parte del mundo al que está destinado. Tras un duro entrenamiento repleto de palizas, cortes y baños reconstituyentes, Wesley descubrirá una oscura trama que gira entorno al asesinato de su padre, al destino de la fraternidad a la que ahora pertenece y a su nuevo estilo de vida.

El film se vea como se vea es un producto entretenido, bien realizado y con un buen reparto encabezado por tres figuras que responden al nombre de James McAvoy, Morgan Freeman y Angelina Jolie. En papeles menos importantes, pero no por ello de relleno, gente como Terence Stamp, Thomas Kretschmann, Common o el siempre presente en los film de Bekmambetov Konstantin Khabensky. Como film de acción Wanted – Se busca es un despiporre, repleto de violencia, muertes atrayentes, una historia simple y con secuencias llamativas que sacan todo el jugo posible, y de manera acertada, a la omnipresente moda del bullet time. Se agradece que de vez en cuando Hollywood apueste por este tipo de películas que, si bien muestran un mundo hasta cierto punto normal, añaden este toque exótico de ficción que hace que el desmadre alcance límites insuperables y del todo agradables. Especialmente llamativas son todas esas escenas donde los tiros a distancias superlativas son protagonistas. Personalmente creo que hay tres escenas salvajemente entretenidas en el film: el inicio con el genial aplique violento de Mr. X (David O’Hara) saltando entre rascacielos y pegando tiros a diestro y siniestro, la escena con el tren en Italia y, sobre todo, el desenlace final… hacía tiempo que no disfrutaba tanto con una escena de acción de semejante calibre.

En definitiva, un film sencillo, con un 20% de cómic y un 80% de película de acción al uso. Entretenido de ver y listo para disfrutar de principio a fin… eso si, no pidamos una genialidad, Wanted – Se busca es lo que es y no pretende ser nada más. No exijáis peras al olmo.

Con más de un mes de retraso ya tenemos en la gran pantalla el nuevo capítulo de la obra comiquera creada por el, aquí debería poner "mi", idolatrado Mike Mignola. Ayer se estrenó Hellboy II: El Ejército Dorado (2008) y, como es menester, acudí a la velocidad del rayo con un grupo de amigos a ver la nueva obra cinematográfica de Guillermo del Toro. No se cuantos conocerán la obra de Mignola, pero Hellboy II: El Ejército Dorado es un completo cambio de rumbo dentro del universo creado por el autor nacido en Berkeley. Los nazis, los seres de universos innombrables, la magia negra y el folklore popular mundial aquí  han sido cambiados por un mundo de fantasía que en un tiempo fue compartido con los humanos pero que, por avatares de la historia, ha permanecido oculto hasta ahora. Lo más curioso, y positivo, es que la idea de este cambio de registro, un lugar donde Del Toro se siente como pez en el agua, ha sido maquinado por el propio Mike Mignola con la colaboración del director mexicano.

Siguiendo el rumbo marcado por Hellboy (2004), pero tomando un nuevo e inexplorado camino, Hellboy II: El Ejército Dorado amplifica descaradamente la calidad de la historia contada, gracias en parte al importante aporte económico de Universal Pictures, y ahonda mucho más en los personajes protagonistas del film ofreciendo sus interioridades, su continua humanización y sus verdaderos sentimientos. Todo ello conserva para ser fiel al cómic la habitual socarronería de Hellboy, la permanente tristeza de Liz Sherman y la transparencia emotiva de Abe Sapien.

Sabiamente introducidos en materia por una secuencia particularmente trabajada, la historia de las marionetas contada por el profesor Trevor Bruttenholm (John Hurt) encandila, nos vemos inmersos en la clásica historia donde un grupo de elegidos deberán salvar al mundo de un malvado plan vengativo pese a no obtener nada a cambio. Estos elegidos son Hellboy (Ron Perlman), Liz Sherman (Selma Blair) y Abe Sapien (Doug Jones), miembros de una organización, cada vez menos secreta, de investigación y defensa de lo paranormal, A.I.D.P. Si bien la historia puede parecer demasiado clásica, Del Toro se vale de su buen manejo de la fantasía y la espectacularidad para envolver al proyecto y salirse de los tópicos que le podrían achacar. Contando con un nuevo miembro en el equipo, el ectoplásmico Johan Krauss (James Dodd), el grupo gana todavía más al contar con esta nueva vertiente donde el humor toma protagonismo dando frescura al film, y donde el liderazgo habitual de Hellboy se pone en entredicho. Digamos que es a partir de este instante, la entrada en escena de Krauss se me antoja crucial, cuando la película comienza a tomar velocidad avanzando en una historia que gana enteros y entretenimiento conforme transcurre.

Hay que reconocer que previo a Krauss al film parece costarle despegar, aunque contiene uno de los momentos más importantes jamás planteados dentro del universo Hellboy, y que con su unión al grupo comienza la batería de genialidades. Tenemos en primer lugar la impresionante visita al mercado troll, en este particular comentaba con un compañero el increíble paralelismo, probablemente guiño, de esta visita a la entrada de Luke Skywalker y Obi Wan Kenobi en la cantina de Mos Eisley. El derroche de imaginación y las referencias ocultas se ve fortalecidas por el hecho de que a Del Toro le encanta contar con los efectos más clásicos para la creación de criaturas a cada cual más variopinta. El personaje de Mr. Wink (Brian Steele) hace sombra al mismísimo Hellboy y recuerda a Brutus, el gorila que alteraba el Dr. Herman Von Klempt en los cómics de Mignola. En segundo lugar tenemos el gran enfrentamiento con el elemental que se saca de la manga el villano Príncipe Nuada (Luke Goss). La secuencia es espectacular y sorprende nuevamente su desenlace con nuevo guiño a otra de las creaciones que más idolatra Guillermo del Toro. De aquí al final el desenfreno no para, el primer enfrentamiento con Nuada es genial, el viaje al reino de Bethmoora (¿más guiños a un futuro que puede que no llegue?), etc. Vamos, que lo mejor es ir a verla y disfrutarla de principio a fin.

El reparto cumple con creces, desde Ron Perlman, cada vez sorprende más su simbiosis con el personaje que interpreta, Liz Sherman, puede que demasiado melancólica en algunos momentos pero bien al fin y al cabo, y Doug Jones, probablemente el único capaz de interpretar a un personaje tan poco vital como Abe Sapien y que resulte emotivo al tiempo que se transforma en el importante y crucial Ángel de la Muerte. El resto no están mal, Luke Goss como el b es un villano perfecto, Anna Walton como su cándida hermana gemela Nuala mola y el ya clásico Jeffrey Tambor como un sufrido Tom Manning que no sabe donde colocarse para que no le caigan todas al mismo tiempo.

No me quiero despedir sin mencionar el tremendo acierto que se ha tenido al contar con Danny Elfman para la creación musical de los mundos de fantasía. Elfman es un compositor vital, tristemente infravalorado y que se asocia con la fantasía de tal manera que envuelve el film en un halo todavía más místico y creativo. Tengo que volver a escucharla, pero la pieza musical del inicio o la del mercado troll me recordaron en presencia a la fabulosa "March of the Death" de El Ejército de las Tinieblas (1992) de Sam Raimi.

En fin, Hellboy II: El Ejército Dorado es una película muy recomendable, un derroche de imaginación inagotable, y una entrada más profunda y puede que impensable hasta ahora en los sentimientos de los personajes salidos de la mente del maestro Mike Mignola. Además, abre no una, si no dos puertas para esa deseada tercera parte que, sin embargo y visto como está la agenda de Guillermo del Toro, puede que no llegue hasta dentro de muchos años.

Al fin ha llegado el esperado momento de hablar de otros de los films más deseados de este año. Antes de nada tengo que dar mil gracias a muchos de los lectores de Uruloki :: Blog que, si bien ya han podido disfrutar del film hace varias semanas (Argentina, México, Chile, Venezuela, etc., disfrutaron de un estreno en condiciones), se han aguantado las ganas de comentar qué les ha parecido. Como va a ser incontrolable, los comentarios de este post contendrán spoilers de todos los niveles, sois libres de decir lo que deseéis, eso si, guardando respeto y buenas formas. Atención, si no has visto la película acude raudo y veloz a verla, no leas nada más desde este punto y disfruta de esta obra maestra del cine moderno como se merece, en pantalla grande! Sin más demora os dejo con la opinión de The Dark Knight / El caballero oscuro (2008) de Christopher Nolan.

El cine en general, y en particular el dedicado a la cada vez más presente temática comiquera, está de enhorabuena dada la gran repercusión levantada por The Dark Knight / El caballero oscuro. Pero lo que podía haber sido un desparrame de fanatismo descontrolado, no sería la primera vez, esta vez ha sido en realidad un reconocimiento serio y muy merecido de uno de los mejores films del año y con toda seguridad de los últimos tiempos. The Dark Knight / El caballero oscuro es una película completa, perfectamente facturada y que por momentos resulta desalentadora, triste e impactante. Sumemos a esto que cuenta con un trasfondo que va más allá del arquetípico concepto que uno asocia al cine basado en cómics. El film se englobaría mejor en un género aparte del habitual de superhéroes, más bien se trata de un oscuro thriller con tintes policíacos donde predomina una historia inmejorable, unas interpretaciones escandalosamente buenas y un trabajo difícilmente mejorable. Tras tres años de ausencia del renovado señor de la noche, Christopher Nolan ha vuelto a demostrar que Batman es un héroe más humano y cercano de que lo que podemos imaginar. Si Batman Begins (2005) aportó un nuevo nivel al cine basado en los cómics más influyentes de la historia, nunca un personaje había nacido de semejante manera, The Dark Knight / El caballero oscuro no solo iguala, si no que incluso mejora sobradamente este punto de inflexión donde el buen trabajo se torna en calidad sin límites.

La historia ha sido tan trabajada y cuidada que no adolece de ausencias por ningún lado. El nuevo Batman es un héroe incomprendido que después de trabajar denodadamente para Gotham City se encuentra que sigue siendo uno de los peligros más temidos de la ciudad. La policía no le da descanso, reconocen su ayuda pero lo que en un principio podía ser un modelo para los trabajadores de la ley se ha tornado en un paradigma para bandas que intentan sacar provecho de su presencia, ojo al nuevo paseo que se da El Espantapájaros (Cillian Murphy). Por lo tanto, le buscan tanto a él como a sus imitadores. En estas tenemos a Harvey Dent, un locuaz, dinámico y sin complejos fiscal del distrito que lucha contra el crimen sin temer lo que le pueda pasar, pero que a la vez busca ese merecido reconocimiento que nunca llega porque no duda en acusar a sus mismísmos compañeros. Por la otra banda tenemos a un villano que se encumbrará a lo más alto por su mala baba, el inigualable y ácido Joker. Nunca un villano fue tan salvaje y macabro. Es tal la dureza de sus actos que causa auténtico pavor solo verle aparecer. Las simples ansias de destrucción y descontrol que llevan a Joker a la ciudad provocarán un caos imposible de manejar donde las muertes en ambos bandos, Joker tampoco hace distinciones, teñirán de cruel rojo a la maltrecha megalópolis. Aquí es donde la vidas de Dent y Joker siguen una misma línea aunque sea por caminos diferentes…

¿Y del reparto qué? Pues sencillamente impresionante. The Dark Knight / El caballero oscuro es una película de actores, es tal el duelo interpretativo que se gastan los geniales Heath Ledger y Aaron Eckhart, que Christian Bale sufre en sus propias carnes un ligero pero llamativo descenso en la importancia de su personaje. Los hermanos Nolan, Chris y el cada vez más presente Jonathan Nolan, junto al imprescindible David S. Goyer, han enfatizado hasta el extremo más crudo la brutalidad, crueldad, vileza y violencia de un personaje tan icónico en el mundo de los villanos del cómic como Joker. Heath Ledger nos ofrece una caracterización hiperrealista de lo que puede ser un genio del mal, que actúa sin compromiso alguno, sin mayor motivación que la destrucción irracional, y que no duda en forzar las situaciones hasta sobrepasar con creces los límites del terror más descarnado. Su personaje es perfecto, impactante y desconcertante. Harvey Dent no se le queda atrás, no en vano ya se apunta en la película que su mote en la unidad policial anticrimen es Dos Caras. Su actitud de inagotable lucha contra al corrupción viene remarcada por una frialdad que asusta. Tan pronto se muestra tajante ante la violenta actitud de algunos, como se transforma en un hombre descontrolado que deja que sus actos sean dirigidos por el discutible destino que marca una moneda. Christian Bale nos ofrece una interpretación de un Batman más maduro, cansado de tanto enfrentamiento y que comienza a tener dudas sobre lo que hace, y como lo hace, dado el injusto poco reconocimiento que se le otorga. Curiosamente esta vez la personalidad pública Bruce Wayne gana enteros y presencia, demostrando que tanto como el vigilante de la noche como el millonario egocéntrico, es un elemento imprensindible de la historia. El resto de personajes cumplen con creces, desde el metódico Teniente Gordon (Gary Oldman), pasando por la cansada Rachel Dawes (Maggie Gyllenhaal), menudo shock que me he llevado, o los imprescindibles Lucius Fox (Morgan Freeman) o Alfred (Michael Caine).

En definitiva, no se me ocurre que más decir. The Dark Knight / El caballero oscuro es una de las mejores películas de los últimos tiempos, donde se combina magistralmente la acción con una gran historia y que cuenta unos personajes tan sólidos y trabajados que resultan todos ellos francamente geniales. El film está lleno de sorpresas, traiciones, y secretos desvelados que resultarán cruciales para la fantástica saga y que, sin dudarlo, harán de una probable tercera parte otra pieza fundamental en la nueva visión del señor de la noche.

El pasado viernes acudí junto a un nutrido grupo de amigos, y si os digo la verdad no con muchas esperanzas, a ver el tercer capítulo de la hasta ahora entretenida saga de la momia. Tras dos llamativos episodios, mejor La Momia (1999) que El regreso de la Momia (2001), ya en los pasos previos del lanzamiento del nuevo proyecto las cosas nunca llegaron a pintar suficientemente bien. En primer lugar todos nos las prometimos muy felices cuando se indicó que tanto Brendan Fraser como Rachel Weisz anunciaban su regreso a la saga, felicidad que pronto cayó en desilusión cuando diferencias artísticas llevaron a Weisz a dejar de lado el nuevo episodio de la franquicia… ¿se lo veía venir? La solución adoptada por Universal Pictures, estas cosas rara vez salen bien a estas alturas, fue fichar a Maria Bello para reinterpretar a Evelyn O’Connell. Craso error suele ser contar de nuevo con un personaje cuando estamos tremendamente acostumbrados a el, y el resultado final así lo confirma. En fin, el segundo traspiés no se hizo esperar al sorprendernos con el fichaje de Luke Ford para interpretar a Alex O’Connell, el hijo de Rick y Evelyn que en la segunda parte debía tener 10 años. Todo podría haberse quedado en susto si no fuera por la insitencia de Universal de vendernos a Ford como un más que probable continuador de la saga ante el paso de los años del personaje de Brendan Fraser… vamos, que el hijo tenía asegurado el protagonismo. La tercera desdicha del proyecto fue sacarse de la manga un argumento completamente ajeno al habitual… las momias de Egipto fueron amargamente sustituidas por soldados de terracota del imperio chino.

Al tema, La Momia: La tumba del Emperador Dragón (2008) de Rob Cohen es sin lugar a dudas el episodio más flojo de una desgastada saga. Antes de meternos en el habitual "busca la solución al problema que hemos iniciado" somos introducidos, como es menester, en el origen del gran villano al que harán frente nuestros simpáticos protagonistas. El Emperador Han (Jet Li), ambicioso donde los haya, busca convertir su imperio en el mayor del mundo. Tras lograrlo, no sin antes haber aniquilado a sus más acérrimo enemigos, solo hay una cosa a la que no puede hacer frente, la muerte. Como es habitual en estos casos, magia mística y traiciones varias llevarán a Han y a su cohorte de soldados a acabar convertidos en figuras de terracota pendientes de volver a la vida algún día. Llevados al inicio de la nueva aventura nos sorprendemos en primer lugar con un arranque aburrido y bastante patético, creo que incluso me quedo corto, con la pareja O’Connell en plena crisis donde las malas interpretaciones, los chistes fáciles y la ñoñería más tediosa campa a sus anchas dejándote con cara de lelo. En fin, tras este inicio tan poco prometedor se cumple con la tradición, una metedura de pata típica de la familia O’Connell, o más bien de su único hijo, despierta al maldito Emperador Han de su eterno encierro. Es en este punto cuando el film parece despertar un poco al ofrecernos continuas secuencias de persecuciones, brincos varios y mucho artificio digital protagonizado por la nueva "momia". Ojo, es también en este momento cuando se confirma que Brendan Fraser tuvo mejores años, que Maria Bello no es ni por asomo una sombra de lo que es Rachel Weisz y que Luke Ford, por dios que mala elección, es de lo peorcito que te puedes echar en cara… no ofrece ni un ápice de carisma, la forzada química sexual con Isabella Leongasusta, y sus dotes como héroe de cine de aventuras sigue todavía ocultas. A nivel interpretación no se salva nadie, incluso el gracioso personaje que encarnaba John Hannah con soltura y desparpajo en los anteriores films, el hermanísimo Jonathan Carnahan, aquí resulta pasajero y de auténtico relleno. Eso si, la escena de la vaca en el avión cuando viajan por el Himalaya causó las carcajadas más sonoras de todo el metraje.

En fin, acción a raudales, escenografías mejores o peores, una Michelle Yeoh que ni fu ni fan, etc. Uno se plantea seriamente donde han podido gastar los 145 millones de dólares que ha costado el film. Si bien hay detalles muy interesantes, el trío Yeti es la pera aunque se pasa de original ya que acaban siendo excesivamente iguales y demasiado saltimbanquis, la mayoría de efectos digitales parecen realizados con menos interés del previsto teniendo en cuenta como está el percal en estos años. Ese dragón de tres cabezas tiene momentos que parece sacado directamente de Dragonheart 2: Un nuevo comienzo (2000), incluso la cansina capacidad del Emperador Han de transformarse en lo que quiera es sorprendente… la anterior momia (Arnold Vosloo) no hacía tales cosas. Por otro lado a los soldados de terracota se les ha sacado muy pero que muy poco jugo, mira que podían hacer cosas interesantes y el poco uso que se les da sorprende. Suma y sigue con otro buen puñado de detalles y completa el desaguisado. La Momia: La tumba del Emperador Dragón es un buen ejemplo de que retomar una saga 7 años después no es una gran idea. Mejor hubiera sido obviar lo de "La Momia" y no hacernos pensar en lo que pudo ser y no es. Ojo, por muy mala que sea, la película ya ha recaudado más de 42 millones de dólares en su primer fin de semana… ver para creer.

Como estaba pactado, los habituales de las sesiones más importantes del cine en los últimos meses nos reunimos primero para cenar compartiendo una agradable charla y luego completar la jornada disfrutando del nuevo reinicio de las aventuras de Hulk por parte de Marvel Studios y Universal Pictures. The Incredible Hulk / El Increíble Hulk (2008) de Louis Leterrier es el cambio más radical que se le podía haber ofrecido al personaje que llegó a las pantallas de cine de la mano de Ang Lee en el año 2003. No voy a entrar en fáciles comparaciones porque Hulk (2003), pese a no ser el éxito en taquilla que los productores esperaban, gustó a muchísima gente, yo entre ellos.

Marvel Studios sigue comprobando con éxito que si uno apuesta por un buen guión, se rodea de actores consagrados, deja el tema en manos de un director joven que se ha empapado de cultura comiquera, y es fiel a los tópicos que desean ver los aficionados, el resultado que se va a obtener es, por lo menos, gratificante, si no inmejorable. El Increíble Hulk es buena muestra de ello y así lo asevera el genial trabajo realizado por Zak Penn y Edward Norton al mando de los escrito, el propio Norton, Tim Roth, William Hurt, Liv Tyler y Tim Blake Nelson enfrente de las cámaras, Louis Leterrier tras ellas, y toda esa parafernalia de guiños y easter eggs en forma de "Proyecto Súper Soldado", Capitán América, Tony Stark, Vengadores, "El increíble Hulk" (1978-1982) o locura de El Líder que todo el mundo agradece. Creo además que El Increíble Hulk está a la altura de las mismísima Iron Man (2008), por momentos incluso la supera al tener una historia más completa y llamativa, al combinar con sabiduría los obligados e imponentes retazos salidos de la viñeta con un trasfondo de persecución, pesar y fuga que da mucha más calidad al resultado final.

Hábilmente y en cuestión de 5 minutos, me refiero a la notable secuencia de los créditos de inicio, se nos introduce sin miramientos en el origen de la criatura Hulk. Un experimento militar fallido, por el cual se intentaba comprobar el efecto de las radiaciones gamma sobre los humanos, convierte al Dr. Bruce Banner (Edward Norton) en una imparable, destructiva y descontrolada criatura conocida como Hulk. Suficiente para saber que Banner es repudiado y perseguido por su transformación genética somos trasladados a la favelas brasileñas donde el peculiar doctor se oculta mientras intenta controlar su ira al tiempo que investiga con parcos medios, y un secreto colaborador, algún tipo de cura total, o por lo menos temporal. Un desliz en forma de gota se sangre, genial cameo de Stan "The Man" Lee, iniciará de nuevo su caza con el General Thaddeus ‘Thunderbolt’ Ross (William Hurt) a la cabeza contando esta vez con un metódico y sin escrúpulos soldado de las fuerzas especiales llamado Emil Blonsky (Tim Roth). Frenética es su persecución y directa la presentación al gran público de cómo se las gasta un Hulk mucho más pulido digitalmente y que da gusto ver lo bien que ha quedado. En fin, de aquí en adelante es mejor ver la película y sacar conclusiones.

Es importante indicar la gran importancia que el guión de Penn y Norton le ha otorgado a los personajes, apoyándose muchísimo en las interpretaciones de los actores, y a la narración de una buena historia, dejando para los momentos en los que es realmente necesario la aparición de Hulk y su vena destructiva, aunque siempre en actitud de defensa. La introducción de Emil Blonsky en la locura genética, apoyado inicialmente por un manipulador General Ross, y más adelante por sus propias ansias de poder sumadas a las de gloria de Samuel Sterns, es impactante. Me ha encantado el efecto que le da inicialmente el suero del Súper Soldado, mayor velocidad, regeneración o habilidades atléticas mejoradas, y como el propio descontrol le lleva ha ir degenerando, su cuerpo se estropea cada vez más, hasta transformarse en la Abominación… un villano a la altura de las expectativas creadas y totalmente en consonancia con las necesidades de renovar la franquicia.

Los efectos nuevamente vuelven a colocarse a la vanguardia, sacando un provecho genial de las posibilidades del personaje e introduciendo, primero, enfrentamientos contra vehículos militares de toda índole, esos Hummer con cañones sónicos o lo que sea me encantaron, luego un súper soldado llamado Blonsky, y finalmente el resultado de una mutación de este provocada por el uso de la sangre del propio Banner. En definitiva, un gustazo.

No se, ¿se nota que me ha encantado?, ¿y a vosotros?, ¿qué os ha parecido?

 NOTA  Por la tarde otro post con las últimas noticias y un anuncio de nuevo concurso!

Ayer pude ver el nuevo film del director de origen indio M. Night Shyamalan. El incidente (2008) vuelve a ser una nueva vuelta de tuerca en el conocido estilo de lo inexplicable al que nos tiene acostumbrados este peculiar director. La película, entretenida, agradable de ver, pero completamente alejada del final sorpresa que decoraban hasta el momento los films de Shyamalan, es un film de terror clásico y realizado a parte de los modernos estereotipos que marcan el tempo de horror en el Hollywood moderno.

Sin mayor explicación vemos como la costa este de los Estados Unidos de América es afectada por algo completamente desconocido que, después de provocar síntomas de desorientación a la gente que los sufre, hace que los "contaminados" se suiciden con lo primero que tienen a mano. Las noticias no se aclaran, desde un atentado terrorista con algún agente químico de por medio, a cualquier otra rareza que intente justificar las razones que hacen que decenas de miles de personas se acaben matando, pero la verdad es que nadie encuentra explicación a lo que está ocurriendo. Una pareja de Philadelphia, el profesor de ciencias Elliot Moore (Mark Wahlberg) y su esposa Alma (Zooey Deschanel), su amigo matemático Julian (John Leguizamo) y Jess (Ashlyn Sanchez), la hija de éste, hacen caso de las recomendaciones del gobierno que apresuran a los habitantes de la zona a alejarse lo antes posible de las grandes ciudades e intentar llegar a otro estado cruzando por caminos poco transitados las tierras de labranza de Pennsylvania. La tensión se transformará en desesperanza cuando descubran que no hay forma de escapar, ya que no son los únicos que han tenido esa idea y lo cadáveres aparecen por todas partes.

Creo que la mejor forma de describir El incidente es decir que vuelve el terror clásico acompañado por cierto toque moral entorno a uno de los grandes debates actuales, el cambio climático y las posibles consecuencias que discuten los grandes cerebros de la ciencia mundial. Apoyándose en un ente desconocido, tremendamente poderoso y del que no tiene que justificar nada, Shyamalan han construido un, por momentos, violento y directo thriller bañado en sabias dosis de terror. El espectador sufre la tensión de los protagonistas, nuevamente personajes sencillos sin pretensiones como ocurriera en todos sus anteriores proyectos, y, mediante explícitos y bien trabajados suicidios, sigue la trama esperando esa justificación que luego de para discutir al terminar la película. Durante hora y media de proyección uno permanece atento al devenir de los acontecimientos, a como las cosas se concretan y las diferentes propuestas de explicación a lo que está ocurriendo.

En fin, no es la mejor película de Shaymalan pero tampoco la peor. Injustamente machacada cuando se descubrió varios meses antes del inicio del rodaje el revelador título del borrador final del film, mejor no decirlo, convencerá y gustará a los incondicionales del director indio, yo entre ellos, y sobre el resto provocará un curioso efecto…

Ayer acudí junto a un buen amigo a ver La niebla (The Mist, 2007) de Frank Darabont, la adaptación de la homónima obra del maestro de la literatura norteamericana de terror Stephen King. Tras más de medio año de dura espera, el film se estrenó en USA a finales de noviembre del año pasado, uno puede disfrutar de uno de los mejores films de terror de los últimos años.

Después de sufrir una tormenta de esas que crean escuela con caída de árboles y destrozos varios, una espesa niebla avanza sobre el lago y de manera inexorable hacia un pequeño pueblo del estado de Maine. El artista David Crayton (Thomas Jane), su hijo Billy (Natham Gamble), y su rebotado vecino Brent Norton (Andre Braugher), deciden darse un paseo por el pueblo para poder comprar diversas cosas que les facilitarán comenzar a arreglar alguno de los destrozos provocados por la tormenta y estar preparados para probables réplicas. Recién llegados al supermercado la niebla que vieron avanzar al alejarse de sus casas cubre repentinamente la zona y se escuchan los primeros gritos. Con uno de los vecinos histéricos diciendo que algo se oculta en la niebla, la rumurología entorno a las actividades militares que se hacen en la zona bajo el nombre de "Proyecto Punta de Flecha", y tras varios sustos que desconciertan a los vecinos que se resguardan en el local, surgirán las primeras diferencias entre la gente cuanto llegan los momentos de toma de decisiones y definición del liderazgo. Un pequeño grupo de vecinos, encabezado por Crayton, descubrirán en la trastienda que lo que hay en la niebla es algo más increíble y peligroso de lo que podrían sospechar. En ese momento, y ante la incredulidad de unos sobre lo que cometan los otros, las disensiones empezarán a ser más claras. Poco ayudará además que una vecina extremadamente creyente, Mrs. Carmody (Marcia Gray Harden), comience a buscar el punto apocalíptico a todo lo que está ocurriendo.

Sin desvelar nada crucial del argumento y de lo que nos ofrece el guión escrito por el propio Darabont, basado "fielmente" en el escrito de Stephen King aunque con un cambio totalmente radical pedido por el propio King para evitar futuras actuaciones, hay que destacar que estamos ante un genial retorno al cine de terror olvidado hace años y que está en estos momentos subyugado por el subgénero del "Torture Porn" que tanto machaca cansinamente al género. El film ofrece una sabia combinación de miedo a lo desconocido, ¿qué se esconde en la niebla?, y terror a la excentricidades y formas de actuar que tiene la gente cuando las situaciones llegan al extremo de la locura. La película es una descorazonadora visión del caos que se puede provocar cuando la desesperación y la incredulidad a lo inesperado se cierne sobre un grupo de gente obligada a compartir techo. Se demuestra que, por momentos, el miedo real no está enfocado a lo desconocido, que ya de por si es inmenso, si no a las actuaciones de tus congéneres. El desquicie al que lleva el papel de Marcia Gray Harden, genial, te va minando conforme el film avanza. Desde un principio ves su paranoia y te das cuenta del peligro que tiene una persona desquiciada en un entorno cerrado y con el resto del personal desconcertado ante la situación. Apoyado por unos efectos convincentes y donde se utilizan a partes iguales efectos físicos clásicos con digitales que abaratan costes y permiten hacer cosas muchos más grandes, el resultado es una película de terror al uso, al estilo de la vieja escuela como hacía tiempo que no veíamos en los cines, pausada pero que va fermentando el verdadero miedo conforme avanza el rodaje. Dos horas y cuarto que vale la pena disfrutar en sala grande…

Curiosos los guiños al futuro de las obras de King en el cine, esa primera escena con Crayton dibujando un póster para una posible adaptación cinematográfica de La Torre Oscura, o del arte realizado por Drew Struzan, el póster de La Cosa (1982) es suyo y el presentado en la Comic Con de San Diego 2007 para La niebla también.