Son estas oportunidades que surgen, gracias al excelente trabajo y la denostada denodada dedicación de Enrique Dueñas de PoderFriki.com, aquí os dejo con una entrevista que John Howe (www.john-howe.com) le ha concedido y que se publica en primicia en este blog. Una entrevista francamente genial, repleta de sabiduría, creatividad y sobre todo adoración por el arte de este incomparable creador de fantasía ilustrada. John Howe es junto a Alan Lee parte de la Tierra Media nacida en la mente de J.R.R. Tolkien, y por ello nada mejor que echar un vistazo a lo que nos quiere contar en Uruloki, criatura de la mitología de la Tierra Media que tuvo en Glaurung su gran adalid… And if you want to read the interview in english, enough to click here and you will be taken to it.

Algo fácil para empezar. Todos sabemos que eres un experto en historia medieval. La atención que pones en los detalles de las espadas, armaduras y castillos es sencillamente impresionante. Son mágicos, pero realistas. En tu opinión, ¿como de importante es la investigación histórica al pintar universos de fantasía?

¡Esencial! La fantasía sólo es convincente cuando parece “real”, por supuesto en un plano subjetivo y autodeterminante. Esto es, que en cuanto los parámetros de un mundo de ficción han quedado establecidos, cualquier ilustración posterior tiene que adecuarse a estos. Aunque dichos parámetros se basen en lo sobrenatural, sigue siendo necesario aplicar cierta lógica interna. La fantasía y el surrealismo son cosas muy diferentes.

Por supuesto, con “investigar” espero que no te refieras la catalogación exhaustiva de géneros y especies; ¡no me refiero a nada ni remotamente científico! Más bien a tener cierta familiaridad, cierta afición y conocimiento de las cosas, desde las bisagras que mueven las pinzas de un cangrejo hasta la colocación de vigas y cerraduras en la edad media. Desde el trabajo de cristal romano hasta las vidrieras góticas. Mi mente sería más como el ático de Fuschia en “Gormenghast” que las pilas de libros del congreso (al menos en lo que refiere al polvo).

Ser “experto” difícilmente puede considerarse uno de mis objetivos, pero "estar interesado" siempre lo ha sido.

La idea es que cuando deseo dibujar una ventana (sólo un ejemplo, nada especialmente emocionante, pero puedes cambiar la palabra por otra que te guste más), intento verme inspirado por todas las ventanas, desde el mundo celta hasta el Art Decó, provenientes de cualquier era o cultura, no quiero verme limitado por la falta de familiaridad con algún diseño que haya tenido lugar en la historia. Hay un concepto que yo llamo “diseñar por defecto”, que es cuando la inspiración se ve encorsetada por la falta de conocimiento (y peor, por la falta de curiosidad) dando como resultado imágenes pobres e incongruentes. He visto castillos supuestamente “medievales” que incluían ventanas del chalet de la esquina. Esto ignora la inmensa variedad de formas y diseños que los seres humanos han creado a lo largo de los siglos. No quiero dar la impresión de que todo artista deba tener un inmenso catálogo mental del que “copiar” y “pegar” cada vez que quiere poner algo sobre el papel, pero sí que es importante aprender a dibujar utilizando elementos más allá de la imaginación, para así alcanzar las ideas de cientos, sino miles, de generaciones anteriores.

La historia es siempre mucho más rica e imaginativa que nuestra imaginación.

No sé cuantas veces he detenido mi avance en un museo y me he visto obligado a pararme para admirar la belleza de un objeto. Cosas más hermosas que nada que yo, espontáneamente, pudiera haber imaginado. En lugar de intentar catalogar ese objeto en mi mente para poder incluirlo en alguna pintura futura, intento recordar que es aquello que me hizo parar en primer lugar, y trasladar al papel ese sentimiento.

También soy muy sensible a la separación entre funcionalidad y pura decoración, que es tan clara en cualquier objeto histórico que haya fabricado manos humanas. La fantasía suele tratar más sobre la “decoración” y, por tanto, la “funcionalidad” sufre.

Adoro la historia. Ahora bien, no me preguntes por fechas.

Nienor and Glaurung, 1995

Algo que siempre me ha impresionado es tu uso de contrastes de color muy marcados y elementos antagónicos: fuego contra hielo, oro contra azul, luz contra oscuridad… es como contemplar dos mundos estrellándose. Esto se aprecia en pinturas como "Dark Heart", "Flight to the ford", "Gandalf falls with the Balrog", "Knight & dragon" o "The fall of Gondolin". Incluso aquellas que no muestran violencia como "Elves & dragons" o "Snow dragon" juegan con este enfrentamiento. Me gustaría saber un poco más del proceso creativo que se oculta tras estas imágenes.

Parece que estoy confesando un montón de cosas en esta entrevista. En realidad, no pienso mucho en la composición, al menos no racionalmente. Todo es “humo y espejos”, desde cierto punto de vista. Sobre todo me interesa la representación de aquello que no podemos observar en la realidad, pero sólo como un pequeño truco de magia.  Una pintura puede tener dos dimensiones físicas, pero la propia imagen trata fundamentalmente de representar profundidad y movimiento (es decir, tiempo), cosas que sólo son una ilusión en una superficie plana.

El contraste es, por supuesto, una herramienta tremendamente util, pero siento decir que todo es principalmente un asunto de establecer bordes. Esos lugares en los cuales las cosas cesan y empiezan otras. Ya sea luz u oscuridad, agua o piedra, nube y cielo… quiero incluir a continuación un texto que colgué hace tiempo en mi propia página web. Puede ser un poco largo pero ilustra bien lo que intento decir.

Me gustan los filos. Me gusta cuando una cosa termina y empieza la siguiente. Y adoro esos puntos de contacto, ya sean abruptos o sutiles, ya sean entre átomos o idiomas, entre estados mentales o estados de la materia.

Me gusta…

…el filo del mar. Agua, rocas, arenas, guijarros, ese lugar entre la costa en el que es todo ruido y el agua se estrella, retrocede y avanza una y otra vez. Unas cuantas yardas de confusión o la gentil caída de una cascada. Es hipnótico, especialmente para un ser terrestre como yo al que le gustan tener sólido bajo sus pies.  Me temo que me interesa más la lapa que el albatros. Suelo coger algunas conchas ahí, a menudo las que ya están rotas, cuando esa íntima espiral central queda desnuda. Esa sucesión de Fibonacci de carbonato cálcico, tan atractiva, alrededor de la cual puedo articular mis propios pensamientos.

…el filo de las culturas, cuando conocen otras culturas y tratan de conversas, imitar, intercambiar y comerciar. Cuando una se introduce sutilmente en la otra como un río que llega al mar. Cuando crea un vasto delta de vías y canales, de infinita complejidad. Algunas de las cosas más hermosas jamás hechas tienen su origen en estos lugares. Desde Axum a Zanzibar, desde La Tene a Oxiana, desde la arquitectura mora al Art Nouveau. Todas tienes ese tipo de armonía especial. Es frágil e inestable, pero precisamente por eso, también inmortal.

…el filo de los relatos, allá donde van esas cosas demasiado inquietas para encajar entre dos muros. Devotos copistas medievales nos permitieron maravillarnos con los márgenes de sus textos sagrados. De la misma manera que las gárgolas que vigilan la catedral desde el parapeto. Observando y aprendiendo desde el filo, mientras piadosos y profanos se frotan los hombros, ponen muecas o intercambian chistes.

…este mundo. Es económico en su geometría. Una compilación de consonantes; no persistentes vocales o susurrantes sílabas. Etimológicamente, nos retrotrae a esos convenientes Indo-Europeos de los cuales hemos adquirido tantas cosas que somos ya incapaces de ver el propio filo de su cultura. “Filo” es una palabra que tiene filo.

He leído que eres un gran admirador de la hermandad Prerafaelita y el movimiento “arts & crafts”. ¿Que es lo que encuentras más interesante de estas pinturas? ¿Tienes alguna favorita? 

¡Demasiadas para poder contarlas! Además, junto a los prerafaelitas, admiro mucho a esos pintores simbolistas y decadentes de fin de siglo, ilustradores de la era dorada y peculiares victorianos. ¿Debería hacer una lista de nombres? En ningún orden en particular: Byam Shaw, John Duncan, Askeli Gallen-Kallela, John Bauer, Evelyn de Morgan, William Degouve de Nuncques, Jean Delville, Ferdinand Khnopff, Solomon J. Solomon, Carlos Schwabe, Frantisek Kupka, Fernand Keller, Thomas Cole, J. W. Waterhouse, Hermann Heindrich, Viktor Vasnetzov, George Frederic Watts, Franz Von Stuck, Simeon Solomon, Gustave Doré, Amos Nattini, Henri-Jean Guillaume Martin, Gustav Adolf Mossa, Richard Dadd, W. Russell Flint, Elihu Vedder, Willy Pogány, Ferdynand Ruszczyc, Charles de Sousy Ricketts, Odilon Redon, Robert Hughes, Lucien Levy-Dhurmer, Giovanni Segantini, Francis Danby, John Martin, Herbert Draper, Sidney Sime y, ciertamente, un centenar (o varios centenares) más.

También me fascina la idea de la suspensión del tiempo, que vemos en algunas obras de arte, ya sean estas magistrales o más humildes, observándonos e incluso tocándonos a través de los siglos. Pueden representar cualquier tontería, pero sentir ese momento mágico es como recibir súbitamente un golpe. De cuando en cuando me gusta hacer una peregrinación a diversos museos para disfrutar de originales que ya conozco de libros o catálogos de arte. Realmente, encontrarse frente a una pintura o estatua es hallarse en el punto de confluencia de dos cosas únicas, tú y la propia pintura. Esta es una de las razones por las cuales siento que el llamado “arte digital” nos priva de una importante oportunidad. Si sabes que otros 100 museos tienen exactamente la misma impresión de ese archivo digital… ¿donde está la magia en ir a verla? Siempre que he visto una pieza única y original, cara a cara (es un decir), he vivido un momento precioso que compensa cualquier viaje.

Gandalf and the Balrog II (49.4 x 68.8 cm), 1996

La mayor parte de tus ilustraciones muestran el clásico conflicto del hombre contra la bestia. En la mitología antigua, el héroe es un campeón de la incipiente civilización, mientras que el monstruo simboliza el caos anterior. Sin embargo, en tus pinturas, las criaturas son hermosas y fascinantes. Parecen poderosas, quizás temibles, pero no pesadillescas. Vienen del mundo natural, no el Infierno. Y los héroes, aunque estoicos, nunca son tan visualmente atractivos y la mayor parte del tiempo ni siquiera tienen rostro. ¿Es esto deliberado? ¿Te identificas más con el monstruo que con el caballero? Otra cualidad de todas estas pinturas es que la imagen parece congelada en el tiempo durante el punto álgido del combate, de forma que nunca podemos saber quien vencerá. De nuevo, ¿es esto deliberado? ¿Tienes estos conflictos algún tipo de resolución o es alguna clase de batalla infinita?

Has respondido esta muy bien; ¡siguiente pregunta, por favor!

Los mitos tratan de contener los principios que gobiernan el universo y las claves de los “grandes diseños” en una anécdota pequeña y fácil de recordar. Esto sirve como vehículo para que podamos entender mejor todo. La fantasía a menudo nos muestra la colorida fotografía de un auténtico mito, pero nunca viaja más allá de la anécdota y fácilmente se pierde en aventuras que únicamente hablan de la dimensión humana. Recordando, claro está, que en un mito todos los elementos pueden significar por separado lo obvio y su opuesto. A este respecto considero The mouse and his child de Russell Hoban mucho más “mítico” que todas las historias de Conan de R. E. Howard puestas juntas.

Pero, intentando contestar a tu pregunta, rara vez me siento satisfecho con las concepciones clásicas del “bien” y el “mal”, la facilona dicotomía a la cual la mayor parte de la fantasía suele reducirse. No me gusta la superficialidad que dicta la mayor parte del arte fantástico… músculos y bikinis de cota de malla han probado se atrayente para el público adolescente, pero no representan nada más allá de su (ingenioso) atractivo inicial. Prefiero ver cosas ejecutadas de forma más cruda pero que contengan cierta profundidad temática.

Supongo que, sencillamente, no me atraen los dibujos destinados para hacer pósters, donde la representación toma el lugar de la narración, la acción se encuentra pausada, donde los personajes básicamente “posan”, y prácticamente parecen estar mirando al propio espectador. Siempre he preferido la imaginería que no requiere la existencia de un espectador como participante activo de la narración. Esto es difícil de explicar y, me temo, no estoy haciéndolo muy bien aquí. Me refiero a esas imágenes de héroes aporreando fétidas aberraciones en las cuales tanto golpeador como golpeado tratan de mantener la pose para enseñar a la cámara su mejor lado.

Y sí, estás en lo cierto. No hay resolución al conflicto. O quizás la hay, pero el viaje es siempre más interesante que la llegada, especialmente si ya conocemos en destino.

Aparte del propio Tolkien, me gustaría saber que otras fantasías modernas han tenido mayor impacto en tu infancia. ¿Los cuentos de Lord Dunsany? ¿Edgar Rice Burroughs? ¿Fritz Leiber? ¿Maestros del “pulp” como Lovecraft, Robert E. Howard o Clark Ashton Smith? ¿Disfrutas con las viejas películas de fantasía como las aventuras de Ray Harryhausen (Jason y los Argonautas, Simbad el marino…)?

Debo confesar con cierta vergüenza que mientras que otros artistas de mi generación disfrutaban leyendo a Homero yo disfrutaba leyendo a Tarzán… la educación pública en los pequeños pueblos del oeste de Canadá era, como mucho, básica (espero sinceramente que haya mejorado, pero no apostaría por ello). Solía rastrear viejas librerías en busca de novelitas de aventuras con portadas dibujadas por artistas que admiraba, y de vez en cuando acababa leyendo lo que había entre las páginas. Casi todo fantasía mediocre y ciencia ficción barata Dudo mucho que hubiese podido apreciar a Dunsany al cual, por supuesto, hoy día conozco y admiro… aunque sólo gracias a las magníficas ilustraciones de Sidney Sime.

Todavía disfruto leyendo a Howard, pero me cuesta lidiar con su estilo. A Lovecraft le trago mejor; una de mis novelas de alta fantasía favoritas es, de hecho, The Dream-Quest of Unknown Kadath, que me encantaría poder ilustrar algún día. También me encantaría rediseñar la imaginería que esconde el Mythago Wood  de Robert Holdstock. Su reciente fallecimiento ha sido un auténtico shock.

No tengo mucha paciencia con esas viejas películas de fantasía. Nunca las vi cuando era joven, de forma que no siento ninguna nostalgia hacia ellas. Reconozco el espíritu pionero de Harryhausen, claro está, al cual tuve el honor de conocer hace unos cuantos años.

Por otro lado, uno nunca debería subestimar la ficción moderna. Observa lo que Tolkien hizo con los elfos y los enanos, cambiando completamente la visión de “hada” victoriana de los primeros y cambiando la ortografía de los segundos (NDT: en lengua inglesa). A menudo tenemos nociones algo oscuras de lo que significan ciertas cosas para los consumidores de cultura popular; sería fascinante preguntar a gente de distintos siglos lo que evoca, para ellos, la misma palabra.

Desde cierto punto de vista, todo mito trata sobre “conexiones”. Si las necesitamos, es cuando las historias deben cuidarse de mostrarlas. Dicho esto, un simple amanecer o crepúsculo puede sentirse como algo “mitológico” si lo miras de la forma correcta. Puedo entender, sin embargo, que en la vida moderna, este tipo de cosas se consideren triviales comparadas con la búsqueda de bienes materiales.

Recientemente he tenido la oportunidad de oír tu conferencia sobre “el hombre que dibuja”. Pareces muy preocupado de que la mayor parte de hombres y mujeres sólo permitan trabajar al hemisferio izquierdo de su cerebro. ¿Realmente crees que “dibujar” es tan raro entre los adultos? También encuentro interesante el conflicto que planteas entre nuestro lado analítico y el reino de la imaginación. En tu opinión, ¿cuanto puede aprender un hombre tras coger un lápiz por primera vez?

Estoy convencido de que puede aprender mucho. Componemos una sociedad letrada y, por tanto, la comunicación se transmite a través del medio escrito, que es un ejercicio tan distinto al dibujo que es una maravilla que tantos adultos intenten volver a dibujar. Desgraciadamente, no pueden. Yo veo cualquier inquietud artística como una forma de equilibrio. Es también otra forma de expresión, como aprender un lenguaje nuevo. Más que desear que cada adulto llevase consigo una carpeta llena de bonitos dibujos, me gustaría que, sencillamente, observasen las cosas. John Ruskin tenía ideas similares y proponía que sus trabajadores asistieran de forma gratuita a clases de dibujo. El mero acto de transferir lo que ves o sientes a otro medio, como el papel, es beneficioso en sí mismo (dibujar puede considerarse una forma de meditación).  También se puede considerar un punto de contacto adicional con otros individuos de tu entorno.

Respondiendo a la pregunta, quizás más adultos podrían aprender a dibujar. En cualquier caso, me niego a aceptar que aquellos que lo deseen para re-descubrir la libertad que poseían en su infancia deban tener la menor duda, únicamente por que no saben por donde empezar.

Morgoth’s Forces before Gondolin (46.0 x 64.3 cm), 1990

Mi pintura favorita de John Howe es, sin duda, "Morgoth’s Forces before Gondolin". He pasado muchos años de mi vida fascinado con esos espantosos demonios observando con ojos envidiosos a una hermosa ciudad de cuento de hadas. Pero lo cierto es que tanto el ejército de Morgoth como Gondolin son una parte menor de la ilustración. La mayor parte de la imagen es esa colosal representación de los Alpes suizos que convierte todo el conflicto en algo pequeño. ¿Por qué escogiste esa composición para la imagen? Aparte de sus ventajas pictóricas, ¿estás jugando con temas subyacentes? Otro elemento que siempre me ha sorprendido de este cuadro es lo calmado y pacífico que parece. Va a tener lugar una guerra terriblemente sangrienta. La ciudad entera se va a ver reducida a cenizas y sus habitantes van a morir. Pero la pintura transmite tranquilidad. ¿Por qué escoger este enfoque?

Creo que existen, al menos, dos verdades ocultas en cualquier tapiz. Por un lado, la urdimbre y por otro, la trama de la propia imagen. La “urdimbre” es la narrativa explícita, que va más allá de lo que puede verse e implica eventos anteriores y posteriores a lo que se está representando. La “trama” es la coherencia interna de esta misma imagen: como los colores juegan unos contra otros, la composición, la dinámica…

Ambas verdades están tejidas irremediablemente juntas y separarlas sólo lograría destrozar  el tapiz. No quiero analizar aquí teorías de círculos, triángulos, flechas y composiciones piramidales. No es que no existan todas esas cosas, pero los análisis de imágenes suelen ser tan patológicamente pedantes que es mejor saltarse esa parte del libro. Todas estas observaciones tienen poco o nada que ver con lo que muestra la propia imagen.

Ambas verdades no se pueden separar (la disección es fatal en cualquier espécimen).

Tomemos un ejemplo práctico: Imaginé una imagen para Beowulf hace algún tiempo, en la cual el temible dragón se movía de un lado a otro de la campiña, arrastrando con él un sendero de fuego y destrucción. Todo en esta imagen es puro movimiento, de izquierda a derecha: el viento, la lluvia, las olas, los contornos del fondo, los diversos planos del dibujo, el humo que surge de las fauces del dragón así como la bestia protagonista. Estos son elementos explícitamente temporales que ayudan a contar una historia: el dragón ha surgido de su guarida (oculta en algún lugar a la izquierda) y va a empezar a incinerar aldeas (en algún lugar a la derecha). Lo único que se mantiene mirando a la derecha es la mismísima cabeza de la criatura, que dirige nuestros ojos hacia atrás y mantiene cierta unidad en la estructura; la narración puede haberse extendido a lo largo de ambos lados del plano, pero no así la composición. Si giras la cabeza del dragón horizontalmente en Photoshop podrás comprobar como la imagen ya no parece tener sentido.

Por supuesto, no pretendo, ni por un nanosegundo, hacer creer a nadie que he pensado en todas esas cosas antes de ponerme a pintar. No lo hice. Sólo trato de razonar por qué hay cosas que funcionan y cosas que no, ya sea en un libro o en una pintura de fantasía. De la misma forma que ciertos paisajes han quedado irremediablemente asociados en mi mente con ciertas historias. No estoy planeando ningún tipo de “guía de paisajes de fantasía” pero si encuentro este tipo de sensaciones muy importantes a la hora de trabajar. Hay mucho de Nueva Zelanda en mi visión del mundo de Tolkien, pero jamás podría poner un lugar de Norte America, sencillamente no parece correcto. Quizás te sorprenda lo mucho que utilizo los Alpes Suizos en mis pinturas, incluso al representar lugares que quedan a un par de millas de mi casa. Si algún día visitas Devon, verás paisajes de Alan Lee allí donde mires. ¡Imagino que los ilustradores de ciencia ficción rara vez pueden basarse en el entorno que les rodea!

Tienes razón al decir que el paisaje es el protagonista de esta pintura, de una forma que resulta extraña para lo que se está contando. Desde cierto punto de vista, no es más que un juego, pero usar la simbología en un entorno (si se hace prudentemente) puede convertirlo en un elemento pictórico muy poderoso. No sólo nos sitúa en esa época y lugar, sino que también  significa una visión geológica de ese mismo evento, magnificándolo.

Respecto a la acción, sobre todo cuando es violenta, creo realmente que el potencial de dicha acción puede contenerse en el segundo precedente. Como ese diminuto instante antes de empezar a pintar en el cual adelantas el brazo y tensas los músculos. Creo que el movimiento es más poderoso que cualquier acción detenida (algo que suele preferirse en los cómics, sobre todo aquellos con tintes dramáticos; por ejemplo, el trabajo de Burne Hogarth no parece contener ningún tipo de “acción”). Es mejor ofrecer los ingredientes que los espectadores necesitan para imaginar la acción que servirlo todo en una bandeja.

Ahora, para terminar, divaguemos un poco. Las leyendas del pasado no son únicamente cuentos emocionantes sino una visión simbólica de nuestra realidad, que contiene auténtica conocimiento y consejo. La mayor parte de la gente parece no respetar este tipo de sabiduría. Ya ni siquiera enseñan esta clase de cosas en las escuelas. Me gustaría conocer un poco mejor tu opinión acerca de la importancia del mito en la sociedad moderna.

Me siento tentado a decir que no deberías ignorar historias que han sobrevivido a los milenios, mucho tiempo después de haber perdido su significado religioso. Aunque ya no “creemos” en los antiguos mitos de la creación de la misma forma que los primeros que los oyeron, contamos con James Frazer y sus seguidores para ayudarnos a entender que nunca ha habido un auténtica brecha. ¿Es todo aquello “útil” en el sentido estricto de la palabra? Yo lo creo así, por que se encuentra en esa dimensión que nos hace humanos, como el arte. Despreciar esas historias como “triviales” sería un error fatal. Desmenuzarlas desde un punto de vista intelectual es trabajo de los eruditos, pero sentir emoción e interés, disfrutarlas, notar que algo se revuelve en tí, eso es algo que todos podemos experimentar sin necesidad de haber estudiado concienzudamente la significación real del mito.

El mito es un lugar, y como la mayor parte de los lugares, lo más interesante se encuentra siempre en los bordes, los límites y las fronteras. Allí donde uno no está seguro de que parte es real y cual no. Este es un lugar al que merece la pena viajar: el filo del mito. Si hay algún sitio que desafíe las descripciones, que no pueda plasmarse en un mapa, es ese. Hablo de la tierra de los mitos, más allá de la predecible geografía del Euhemerismo, más allá del mundo del pasado, cuando existía un diálogo que hoy apenas podemos comprender. La mitología proviene de un tiempo anterior al mismo mundo. Como humanos modernos, vivimos en la era del “eso”, en la cual los engranajes del mundo que nos rodea han sido explicados científicamente. No tenemos por que saber demasiadas cosas; siempre podemos mirar en una enciclopedia. El conocimiento se encuentra menos en nuestras cabezas y más en los libros de la biblioteca local… o en las ingeniosas palabras que podemos teclear en el motor de búsqueda. Por miles de años, la humanidad vivió en una era más rica, la era del “vos”, cuando el mundo se veía como otra forma de vida. Una criatura caprichosa, conflictiva e implacable. La vida podía ser dura y debía ser negociada. Una era de diálogo, de augurios, de dar las gracias. Si el fuego crece cuando chocamos las piedras, es por que el fuego se oculta en algún lugar dentro de la piedra, aprisionado hasta que nosotros logramos liberarlo. Para explicar mejor esto, y para que sea más fácil de recordar, creamos una historia, sobre como el fuego acabó ahí encerrado. De este modo el conocimiento se transmite de padres a hijos. Muchas veces las historias crecen así. Como una piedra que, pacientemente, espera convertirse en encendedor.

Naturalmente, cuando estos relatos ya no pueden explicar la naturaleza, pero seguimos contándolos, ya no pueden considerase “míticos”. Han perdido aquello que los convertía en sagrados y deben ser entendidos de forma muy distinta. Se convierten en folclore, cuentos de hadas, y se juntan en esos polvorientos tomos que ponemos sobre la estantería.

Aunque seguimos contando las mismas historias, ya no conocemos su significación y ahora  la gente se ríe fácilmente cuando leen curiosas leyendas. Pero eso es por que, aunque podamos leer los nombres, hemos olvidado su razón de ser.

Entrevista realizada por Enrique Dueñas a John Howe el 8 de septiembre de 2011.

Tras la triste noticia de hoy por la mañana, al terrible fallecimiento de Andy Whitfield debemos sumar el óbito de Cliff Robertson, el tío Ben en los Spider-Man de Sam Raimi para muchos aunque también debería ser recordado por el Oscar que se llevó al mejor actor por Charly (1968). Antes de dar rienda suelta a las noticias os aviso que mañana por la mañana publicaré una entrevista resultado de una colaboración que he llevado a cabo con otro blogger español. La entrevista es fabulosa y tiene un gran valor si tenemos en cuenta que tiene relación con uno de los mundos de fantasía más importantes de la historia moderna. Ya veréis, estad muy atentos porque es leerla y fliparlo. Bueno, vamos con las noticias del día que para eso he vuelto por el blog…

En primer lugar una noticia que llega de dos de las fuentes más importantes al otro lado del charco. Variety y Deadline.com anuncian al unísono que el canario Juan Carlos Fresnadillo, ahora mismo enfrascado en la promoción de Intruders (2011), emerge como favorito para Summit Entertainment de cara a hacerse cargo de la dirección de el remake / reboot de Los inmortales (Highlander, 1986) de Russell Mulcahy. Tras la salida de Justin Lin del proyecto, y en el que además de director iba a figurar junto a Art Marcum y Matt Holloway como guionista, Summit se había quedado medio en tierra de nadie hasta que ahora sin comerlo ni beberlo surge Fresnadillo. Veremos en que queda la cosa, Highlander (¿?) será producido por Summit y RCR Media Group, pero Juan Carlos Fresnadillo tiene también sobre la mesa un acuerdo para dirigir The Crow (¿?), la nueva adaptación de la obra de James O’Barr con, según Deadline.com, Bradley Cooper como protagonista… y yo que suponía que había dicho hasta luego cocodrilo. Lo dicho, hay que estar muy pendientes de este director español que no hace más que darnos alegrías aunque luego los proyectos en los que le embarcan no lleguen a buen puerto, véase BioShock(¿?). Tarde o temprano regresará a Hollywood.

El cartel de un clásico del cine… Los inmortales

Hora de unas cuantas breves. Por ejemplo, el productor Bernie Godlmann ha revelado Movies.com que en 300: Battle of Artemisia (2012) de Noam Murro muy probablemente los personajes de Gerard Buttler, el Rey Leónidas, y de Lena Headey, la Reina Gorgo, tengan una breve aparición. Por otro lado es Bloody Disgusting la que nos informa que Colin Salmon, aquel que acabó troceado en cubitos en Resident Evil (2002), anuncia vía su cuenta personal de Twitter que vuelve a la franquicia gestada por Paul W.S. Anderson y Milla Jovovich. Lo más divertido de todo es que Salmon suelta eso de "confirmado que participaré en la nueva película de Resident Evil. Paul Anderson ha escrito un guión sorprendente". Asusta eso de leer en una misma frase cosas como guión sorprendente y Paul W.S. Anderson. Veremos, por ahora Resident Evil: Retribution (2012) no ha demostrado nada que nos haga pensar que va a cambiar de rumbo respecto a sus predecesoras… cada una de ellas un poco más triste que su predecesora en el tiempo. Mismo reparto, mismo equipo creativo y ahora han decidido recuperar al cubo de rubik humano que es Colin Salmon. Cierro este pack de incorporaciones con el anuncio por parte de Screen Daily del fichaje de Daniel Stamm por IM Global para que se haga cargo de 13 (¿?), el remake del film de terror tailandés 13 game sayawng (2006) de Chukiat Sakveerakul. Stamm, el director de la interesante El último exorcismo (The Last Exorcism, 2010) cuenta ya con David Birke para escribir el guión de este remake con intención de comenzar a rodar en el 2012. El film original satirizaba la cultura mediática y se centraba en un vendedor con problemas de liquidez que queda atrapado en un reality show macabro en el que debe resolver 13 retos que le llevarían a conseguir un importante premio en efectivo. ¿Alguno la ha visto?

Hay que ir echando el cierre por hoy. Para ello un par de fichajes. Cuentan en Heat Vision que Nikolaj Coster-Waldau, pese a su complejo nombre le recordaréis por se el cabrón de Jaime Lannister en "Juego de Tronos" ("Game of Thrones", 2011-¿?), se une a Jessica Chastain en Mama (¿?) de Andrés Muschietti. No se si recordaréis, pero el film adapta a largo el homónimo corto "Mamá" (2008) de Andrés y Bárbara Muschietti. Al frente de la producción tenemos al siempre seguro Guillermo del Toro con Universal Pictures como distribuidora de la futura película. En la película una pareja, la Chastain y Coster-Waldau, se hacen cargo de unos sobrinos que durante cinco años estuvieron viviendo en el bosque. Terribles acontecimientos dejarán claro que algo de índole sobrenatural reclama a los niños.

Una de esas noticias que te veías venir. Triste pero cierto. Andy Whitfield, el protagonista de la primera temporada de la violenta y acertada "Spartacus: Blood and Sand" (2010-¿?) para el canal Starz, ha fallecido debido a la recaída en un linfoma no-Hodgkin que sufrió en el 2010 y contra el que llevaba luchando ya 18 meses. Justo al terminar de rodar la primera temporada de la serie que le dio a conocer se le detectó este cáncer. Debido a la nueva situación, el rodaje de la segunda temporada se aplazó y justo cuando parecía haberlo superado, y en ciernes de la vuelta a las andadas de Spartacus y compañía, una grave recaída le apartó definitivamente del personaje obligándole a llevar un tratamiento mucho más agresivo que la primera vez. Esta vez Starz contrató a Liam McIntyre para sustituir a Whitfield ya que este anunciaba definitivamente su retirada. Esta madrugada y a la edad de 39 36 años el actor galés ha fallecido. Triste.

Andy Whitfield a.k.a Spartacus

No lo voy a negar, esperaba poco o nada de otro más de los mil y un remake que Hollywood se está sacando de la manga en una época de tremenda inseguridad, falta de ideas y acomodo en el pensamiento "porque innovar si podemos recuperar proyectos que perviven en la mente de los fans". Pero mira, este es uno de esos casos donde lo mejor es rendirse ante la evidencia y decir eso de que Noche de miedo (Fright Night, 2011) de Craig Gillespie no tiene nada que desmerecer del ya simpático y clásico film de Tom Holland. El resultado es un viaje fresco y bien renovado por Marti Noxon, generoso en aspectos cómicos y muy agradable si de casquería hablamos. Porque si, hoy en día cuesta disfrutar de cine gore en cines, pero Noche de miedo dentro de su controlada y obligada limitación aporta al respetable notables raciones de hemoglobina y desmembramientos varios, trabajo de la KNB EFX Group aunque ciertos factores digitales podían habérselos guardado para otros menesteres. En fin, si bien la idea es la misma, un remake es un remake, la renovación que se ha hecho de la historia de Charley Brewster y el vampiro Jerry Dandrige ha sido acertada. Más acorde con los testosterónicos tiempos en los que vivimos, Charley está rodeado de novias, vecinas y amigas de buen ver, la evolución de personajes cruciales como Peter Vincent, bien por David Tennat, o el propio Jerry, para chulo mi pirulo, hacen que el resultado sea 100% disfrutable en la sala de cine. Risas y sustos están asegurados.

Cartel español de Noche de miedo

Charley Brewster, un divertido Anton Yelchin que sigue confirmando que es un tipo con futuro, vive en un apartado y tranquilo barrio residencial en las desérticas afueras de la colorista ciudad de Las Vegas. Una noche Charley y su madre Jane (Toni Collette) conocen a su desaparecido vecino Jerry (Colin Farrell), un tipo anormalmente pálido que debe dormir por el día porque, al igual que mucha de la población de esa ciudad de vicio, trabaja por la noche. La vida de la familia Brewster seguiría su curso como si tal cosa si no fuera porque Ed (Christopher Mintz-Plasse), hasta hace poco el mejor amigo de Charley, intenta convencer a este de que Jerry es en realidad un vampiro que campa a sus anchas en la zona. El mundo de Charley dará un vuelco el día que Ed desaparece, en ese momento se convencerá de que Jerry es algo más que un mero trabajador nocturno e intentará acudir al maestro del horror en los escenarios Peter Vincent (David Tennant) para que le asesore en temas vampíricos…

Noche de miedo cumple con su propósito que no es otro que entretener. Si además ofreces una evolución rítmica desenfrenada pues perfecto. Porque si bien el film arranca de manera pausada, va ganando velocidad hasta estabilizarse rápidamente y en poco tiempo. En este caso Noxon ha preferido no andarse con rodeos, y en Noche de miedo no hay misterio, cosa que en el film de Holland existía a modo juego al despiste perpetrado por el otro Jerry, aquel genial galán que era Chris Sarandon. Aquí todo es más directo y la evidencia se plasma a los pocos segundos de iniciarse la película. El resto es cumplir con creces ofreciendo secuencias interesantes como el insistente juego que se trae Jerry con la familia Brewster, sobre todo con Charley, o el momento aquí te pillo aquí te mato en el que Jerry se harta de que Charley y compañía le den largas… momento en el que además se cruzan brevemente con Sarandon en un muy acertado homenaje a la fuente de la que beben. Por lo demás bien, el nuevo Peter Vincent es en esencia muy diferente a su referente, cosa que también encaja mejor con los acontecimientos posteriores, y poco más que contar. Buena música de Ramin Djawadi, el mismo de "Juego de Tronos" ("Game of Thrones", 2010-¿?), y notable aportación española con el veterano Javier Aguirresarobe a los mandos de la fotografía en otro proyecto más en tierras más fértiles. La pena de todas formas es el aroma a pifia económica que desprende la película… aunque bueno, al fin y al cabo es un remake, y encima un remake de una comedia de terror de serie B.

Tras dejaros con el impactante y frenético trailer de The Raid, una de las muchas películas que se podrán ver en el Festival de Sitges de este año, es momento de agitar un poco el árbol de las novedades llegadas de Hollywood para ponernos al día. La opinión sobre Noche de miedo (Fright Night, 2011) de Craig Gillespie quedará para mañana, salvo que me de el aire y me convierta en un escritor compulsivo. Comencemos el pack de noticias, normalillas pero con alto contenido visual, indicando que tres más se unen Nicholas Hoult, Teresa Palmer, Rob Corddry y John Malkovich en Warm Bodies (2012) de Jonathan Levine. Variety anuncia que Summit Entertainment sigue incorporando nombres a este film con aroma Crepúsculo y detalles Zombis Party (Shaun of the Dead, 2004). Indica Variety que Analeigh Tipton, Dave Franco y Cory Hardrict son los tres nuevos actores que se unen a esta historia con zombis enamoradizos y atormentados. Gracias a los personajes que encarnan estos tres actores descubrimos que en Warm Bodies la invasión zombi será de dimensiones mundiales, que habrá una ciudad protegida por un muro y limpia de muertos vivientes llamada Green Zone, y que los humanos supervivientes a los zombis actuarán como resistencia humana. Eso si, la amiga de la chica que se enamora de R (Nicholas Hoult) y que tiene dudas emocionales en un mundo infestado por zombis, el amigo traidor que se une al villano General Grigio (John Malkovich) y se convierte en su mano derecha, o el valeroso exnovio de la joven cuya relación personal con un zombi puede dar un giro completo al caos que se vive. Vamos, todo queda en familia.

Nuevo numérico cartel de Misión Imposible: protocolo fantasma vía Yahoo! Movies

Vayamos ahora con otro de esos cuentos de fantasía que llegarán en el futuro por partida doble, triple y, en casos extremos, hasta séxtuple. /Films comenta hoy que "Cenicienta" se gana en poco más de un mes una segunda versión para el cine tras la anunciada Cinderella (¿?) de Disney con Mark Romanek a los mandos bajo un guión de Aline Brosh McKenna. En este caso será Ann Peacock la que reescribirá un borrador inicial de Michael Dougherty para que en un futuro indefinido por ahora lo acabe dirigiendo Bruno Aveillan, debutante en el noble arte de la dirección. Si bien no se sabe nada del enfoque que tomará la película el argumento es de sobra conocido. Supongo que para desmarcarse ocurrirá igual que entre The Brothers Grimm: Snow White (2012) de Tarsem Singh y Snow White and the Huntsman (2012) de Rupert Sanders. Otro proyecto que nace, terror en este caso, es Nothing to Fear (¿?) de Anthony Leonardi. Deadline.com anuncia que Thomas Haden Church negocia con Slasher Films, compañía que cuenta con Michael Williams, Rob Eric y Slash de los Guns N’ Roses como propietarios, para protagonizar este film donde una familia que huye de su pasado intentando comenzar una nueva vida acaba como el rosario de la aurora después de que se cruce en su camino un carismático pero perturbado hombre salido de la nada, Church si acepta. Los hechos del film tendrán lugar en una ciudad de la que se cuenta se supone que es unas de las siete puertas al infierno que hay en la Tierra. Veremos. Slasher Films tiene entre manos otras cosas como The Other Kingdom (¿?), la adaptación comiquera Wake the Dead (¿?) y Theorem (¿?), peli escrita por Vincenzo Natali.

Extraño aunque bladerunneresco cartel de In Time vía IMPAwards

Hay que ir echando el cierre. Primero poniendo un enlace a ShockTillYouDrop.com para que echéis un vistazo a concept art del remake de Hellraiser, los que traen el infierno (Hellraiser, 1987) que vivió durante un tiempo en manos de Patrick Lussier y Todd Farmer… el final de su participación en el proyecto de Dimension Films la descubrió el propio Farmer en una entrevista concedida a Bloody Disgusting el otro día. Dibujados por uno de los reyes del gore, Gary J. Tunnicliffe, ofrece un curioso cambio en el enfoque por el que siempre hemos conocido a PinHead. Si bien el diseño es raro, el casco que se gasta es raro aunque no pintaba nada mal, el otro par de cenobitas que hay en los dibujos siguen la línea habitual de rareza visual y enfermiza composición. Segundo con un interesante rumor. Comic Vine publica un interesante rumor que ha llegado a su redacción y que afecta al desarrollo de la serie de televisión "Hulk" (¿?) que Guillermo del Toro y David Eick escriben para el canal ABC. El mensaje deja caer lo siguiente:

David Eick y Guillermo del Toro han enviado a la ABC un tratamiento para la serie de televisión Hulk que incluye a Red Hulk como posible villano de la misma.

Ahí queda eso. Por otro lado, y mucho más realista, Variety descubre que Laika, el estudio de animación que nos trajo en su día Los mundos de Coraline (Coraline, 2009) de Henry Selick, ha apostado fuerte y quiere hacerse con los derechos sobre "Willwood", una novela de fantasía escrita por Colin Meloy e ilustrado por su esposa Carson Ellis. "Wilwood", publicado la semana pasada por la editorial HarperCollins, es la primera de tres posibles obras centradas en Prue McKneel, una joven que debe hacer frente a un mundo mágico y repleto de peligrosas criaturas después de que su hermano menor haya sido raptado. La joven Prue deberá tomar una decisión arriesgada y entrar en el mundo conocido como el Impassable Wilderness.

Una nueva imagen de The Woman in Black vía Bloody Disgusting

Acompañado por una pieza musical bestial obra del gran Mike Shinoda, uno de los Linkin Park, aquí os dejo con el red band trailer de The Raid (2011) de Gareth Evans, film de acción brutal protagonizada por una de las sensaciones en el cine de artes marciales del momento… Iko Uways. El film se ha podido ver ayer en el Toronto International Film Festival y los que han publicado opiniones aseguran que es la película de acción más impactante en años, comparable a Hard Boiled (Hervidero) (Lat sau san taam, 1992) de John Woo, y recuperadora del estilo y tensión de Asalto en la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13, 1976) del John Carpenter. La verdad, con la pieza de Shinoda ver el frenetismo del avance uno se acelera… pinta brutal.

He aquí la sinopsis oficial del film…

En el corazón de los barrios más peligrosos de Yakarta se encuentra un edificio seguro e impenetrable para los asesinos y gángsters más peligrosos del mundo. Hasta ahora, el bloque de apartamentos en decadencia ha sido considerado intocable para los miembros más valientes de la policía. Oculto bajo el manto de la oscuridad antes del amanecer y el silencio de esas horas, un equipo SWAT de élite tiene la tarea de asaltar el edificio con el fin de acabar con un famoso capo de la droga que se oculta en su último piso. Pero cuando un encuentro casual con un ayudante descubre su plan, la noticia del asalto policial llega el señor de la droga. Las luces del edificio se cortan y se bloquean todas las salidas. Varados en el sexto piso sin salida, la unidad deberá abrirse paso a través de los criminales más terribles de la ciudad para sobrevivir a su misión.

Póster festivalero de The Raid
"1 implacable señor del crimen, 20 soldados de élite y 30 pisos infernales"

Hace un ratito en El Cultural, vía anuncio de @Vigalondo en Twitter, ha salido a la luz el primer teaser trailer de Extraterrestre (2011) de Nacho Vigalondo. Tras los simpáticos pósters aparecidos hace ya unos cuantos meses ya podemos disfrutar del primer avance de cara a su presentación en el Festival de San Sebastián. Tras su paso por el Toronto International Film Festival, donde ha gustado bastante, y su futura presencia en el Fantastic Fest, es hora de conocer a Julián Villagrán y a Michelle Jenner, los protagonistas principales de esta película de ciencia ficción y su extraña aventura invasora / amorosa. Os dejo con el teaser. Tranquilo, pausado pero suficientemente intrigante como para desear más. Ojo, Extraterrestre sigue sin fecha de estreno prevista, crucemos los dedos para que se aclare este dato cuanto antes.

Os dejo aquí con una breve sinopsis del film:

Sólo hay una reacción sensata cuando te despiertas y ves un cielo lleno de invasores alienígenas: correr como alma lleva el diablo. Pero ¿qué hacer si la invasión alienígena se inicia cuando se acaba de conocer a la chica de tus sueños?

Julio (Julián Villagrán) se despierta con una horrible resaca y sin recordar que sucedió la noche anterior junto a una chica sexy y en un apartamento impresionante. Ella (Michelle Jenner) quiere que se vaya, pero la invasión alienígena que acaba de empezar en el exterior es la excusa perfecta para que Julio se quede. Y aunque las cosas están empeorando por momentos, a pesar de que el marido de la chica entra en escena y a pesar de la amenaza alienígena es cada vez más y más terrible, Julio tiene clara una cosa… al igual que las criaturas monstruosas que han viajado a través de las galaxias para destruir la humanidad, está aquí para quedarse.

Teaser póster para el mercado internacional de Extraterrestre de Nacho Vigalondo

Mientras preparo un nuevo concurso, uno piensa que tocaba época de descanso pero nada de nada, me pongo al día escribiendo una nueva entrada en el blog para recopilar todo aquello que genera interés cinematográfico. Comencemos con una breve esperanza para la serie de televisión "Locke & Key" (2011), la adaptación a la pequeña pantalla de la novela gráfica de Joe Hill que contó con Mark Romanek como director de su piloto y con Josh Friedman como guionista. Tras ser descartada por la 20th Century Fox y DreamWorks TV, hoy son varios los portales que advierten de un posible resquicio de que al final sea MTV la que la recupere para su emisión y producción. Cuentan en Deadline.com que pese a que SyFy mostró interés en ella durante un tiempo lo de la MTV es algo que está ahí pero para nada definitivo. Se dice que David Janollari, director de programación del canal televisivo, vio el piloto y le gustó. Ahora queda ver si al final se fragua el plan, MTV debería llegar a un acuerdo con los productores para planificar la temporada, rodarla, etc. Vamos, un imposible salvo que MTV le vea verdaderamente potencial donde nadie hasta el momento se lo ha visto… si es que ni SyFy, con todos los respectos por este magnífico canal.

Vayamos ahora con un poco de materia comiquera que tras la sobrecarga de hace unas semanas ya echaba yo el tema de menos. Entrevistada por Total Film y Hit Fix, la productora Lauren Shuler Donner ha hablado de Deadpool (¿?) y The Wolverine (¿?), los dos proyectos del universo mutante que tiene entre manos junto a la 20th Century Fox. Cuenta la Donner sobre Deadpool que la producción está en estos momentos un poco parada. Reconoce que tienen un gran guión, escrito por Rhett Reese y Paul Wernick, y que con Tim Miller como director y con Ryan Reynolds como gran protagonista pues mucho del camino para ver la luz ya está recorrido. Eso si, no se ha tomado la decisión final… es en la que el estudio confirma si se va adelante con el proyecto o si por el contrario se aplaza hasta un mejor momento, algo que yo daría por hecho dado lo liado que se encuentra Reynolds. Eso si, dice que Deadpool servirá para conocer al personaje en cines tal cual es en la viñeta. Violento, gamberro y con mucho humor… redimiéndose de la triste versión que vimos del personaje en X-Men orígenes: Lobezno (X-Men Origins: Wolverine, 2009). Sobre The Wolverine, que será dirigida por James Mangold, más de lo mismo, y no es que pinte bien. Deja caer la productora que no sabe a ciencia cierta cuando comenzará el rodaje ya que mucho depende de la agenda de Hugh Jackman. "Puede que el verano de 2012 sea cuando rodemos" asegura la esposa de Richard Donner. Ahora Jackman está entretenido con Les Miserables (¿?) y luego supuestamente quedará libre para volver al entrenamiento de cara a encarnar nuevamente a Logan en Japón. Lauren Shuler Donner lo deja bastante claro… "Todo depende de él". Si os digo la verdad, estos dos proyectos desprenden aroma a 2013 o 2014 como poco.

Hora de unos cuantos fichajes. Por ejemplo, informan desde Heat Vision que John Malkovich está negociando con Summit Entertainment para encarnar al villano en Warm Bodies (2012), ese film de zombis que adaptará la obra de Isaac Marion. Con Jonathan Levine como director y guionista, Warm Bodies se podría definir como una fusión de la saga Crepúsculo con la mal llamada Zombis Party (2004, Shaun of the Dead). El film contará como un zombi existencialmente atormentado y llamado R (Nicholas Hoult) comienza a sentir cierta atracción por la novia viva (Teresa Palmer) de una de sus víctimas. La incipiente relación hará que la dormida humanidad de los zombis comience a despertar. La verdad, creo que ya no hay nada más grotesco que hacer en cines… tras los vampiros que brillan a la luz en lugar de deshacerse de dolor mientras que se derriten ahora llegan los zombis enamoradizos. Esto es el acabose. Otro que también encuentra trabajo, por lo que nos cuenta Deadline.com, es Adam Rodriguez, actor que igual os suena porque lleva apareciendo la friolera de 202 episodios en "CSI: Miami" (2002-2011)… Erik Delko le llaman. Pues resulta que el señor Rodriguez ha sido contratado para un breve papel en El caballero oscuro: la leyenda renace (The Dark Knight Rises, 2012) de Christopher Nolan.

Otro proyecto que también ficha, y comienza su andanza en busca de compañía productora, es el film de ciencia ficción Europa (¿?) de Sebastián Cordero, un director de origen ecuatoriano. Deadline.com nos cuenta que en el Toronto International Film Festival las compañías Wayfare Entertainment y Misher Films intentarán encontrar una casa que les acoja de cara a su presentación de cara al mercado USA. El film se encuentra en fase de preproducción, 100% financiado por Wayfare, y cuenta ya con Sharlto Copley, Michael Nyquist, Anamaria Marinca y Daniel Wu como reparto más importante. Escrito por Philip Gelatt, Europa contará la historia de seis personas que forman un equipo de astronautas que varios países que son enviados por una compañía privada en la primera misión a la cuarta luna de Júpiter. Al frente del diseño de producción estará Eugenio Caballero, ganador de un Oscar por su excelso trabajo en El laberinto del fauno (2006). El rodaje comienza en otoño en New York. Y ojo, que sin abandonar la ciencia ficción recupero un aviso de The Playlist por el cual One Thousand A.E. (2013), el nuevo proyecto como director de M. Night Shyamalan, tiene ya fecha de estreno… el 7 de junio del 2013. Por ahora solo se sabe que juntará nuevamente en la gran pantalla a Will Smith y su hijo Jaden Smith encarnando a un padre y su hijo en un planeta que deberán explorar tras estrellarse en el.

La resaca en Hollywood es tremenda. Por tercer día consecutivo las primeras impresiones que tengo revisando la lista de blogs que informan a medio mundo es que no hay nada que contar, así que vuelvo a buscar donde no hay e intento dar forma a una entrada medianamente respetable para saciar vuestra asediante sed fandom. Para ponernos en marcha os presento cuatro nuevos banners aparecidos para promocionar Acero puro (Real Steel, 2011) de Shawn Levy, esa película de ciencia ficción donde Hugh Jackman se pone tras la piel de un robot gigante en clandestinas peleas de boxeo mecánico al tiempo que se hace cargo de su hijo. Los carteles salen de IMPAwards y nos muestran a los cuatro grandes protagonistas del film… y lo de grandes no es por importancia, si no más bien por tamaño. Veremos al final en que queda la cosa, aparentemente el proyecto tampoco parece ser nada del otro mundo, pero igual al final acaba gustando y todo. Aunque siendo realista, y con tanto robot suelto en las pantallas hoy en día hartos de dar mamporros mucho tiene que ofrecer para no quedar a la sombra de grandes blockbusters como la saga Transformers.

Nuevo cartel promo de Acero puro

En otro orden de cosas, y gracias a la siempre acertada Deadline.com, nos enteramos que a alguien se le ha pasado por la cabeza seguir explorando fórmulas pasadas ya que tenemos a Warner Bros. contratando a David Katzenberg y Seth Grahame-Smith, de KatzSmith Productions, para que durante un par de años se estrujan el coco escribiendo potenciales guiones cinematográficos. Aunque el acuerdo todavía no está 100% definido, se anuncia que uno de los primeros proyectos sobre los que trabajarán es una secuela a Bitelchús (Beetlejuice, 1988) de Tim Burton. Gran idea. Aunque aseguran que no se trata de secuela remake, si servirá de reboot de la franquicia aunque avanzando en la historia original. Si lo que pretenden es continuar, vale que Winona Ryder podrá repetir en modo cameo pero será francamente difícil entender como los personajes de Alec Baldwin o Geena Davis envejecen si están más tiesos que una mojama. Aunque lo más fácil será hacerlos desaparecer. Ah, ¿y el nuevo Bitelchús?, ¿Michael Keaton returns? En fin, veremos que sale de este fabuloso y esperado plan… si es que salvo por esos contados proyectos se entiende que la agonía de ideas de Hollywood nos lleve a anuncios como este. Y ya que hablamos de grandes planes en forma de guión, Heat Vision anuncia que Scott Free, la empresa productora de Ridley Scott y Tony Scott, ha contratado guionistas para Monopoly (¿?), adaptación al cine de las famosas aventuras de compra venta de pisos y acciones de bolsa en forma de juego de mesa. Los elegidos para la tarea son Scott Alexander y Larry Karaszewski, de los que espero que al menos se saquen de la manga una película a la altura de Wall Street (1985). Habrá que estar atento a otro de los sellos Hasbro en cines tras los complicados futuros que parecen tener Ouija (¿?) y Cluedo (Clue, ¿?).

Nuevo cartel promo de Acero puro

Y vayamos ahora con un par de novedades y alguna que otra confirmación. Por ejemplo, de esta última categoría la gente de Deadline.com confirma que Nu Image / Millenium Films han acordado con Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger que se unan a Sylvester Stallone en The Expendables 2 (2012) de Simon West, secuela a la más que rentable aunque no tan acertada como se esperaba Los mercenarios (The Expendables, 2010). Tras lo descafeinado de su presencia en el film que dirigiera el propio Stallone, se dice que ambos mitos vivientes del cine de acción dispondrán esta vez de más presencia en esta segunda parte. El rodaje arranca en octubre y mientras que Schwarzenegger compagina su participación con el rodaje de Last Stand (2013) de Jee-Won Kim, ¿Willis hará lo propio con Die Hard 5 (¿?) de John Moore? Yo apostaría por presencias no equilibradas. El resto de miembros del reparto, y salvo los que repiten de la primera parte, deben seguir siendo tratados como rumores. Aunque ojo, el otro día en la web de Millenium Films, vía IGN, aparecieron así de sopetón Jean-Claude Van Damme y Chuck Norris como integrantes del reparto oficial… cosa que fue rápidamente eliminada para no crear hype. Y ahora atención a este vídeo del rodaje de Guerra Mundial Z, igual es un  SPOILER , pero tampoco lo creo. En el podemos ver un ataque zombi en una ciudad repleta de gente. Si bien el ataque sería de lo más normal del mundo, los zombis de Guerra Mundial Z (World War Z, 2012) de Marc Forster corren que se las pelan, lo que más llama la atención es la secuencia, donde en un par de muertos / contaminados se abalanzan sobre una víctima, al contaminan y… en cuestión de segundos el fulano es otro más de los zombis. Peculiar, muy peculiar.

Nuevo cartel promo de Acero puro

Vayamos ahora con un nuevo paso dado por Robopocalypse (2013) el nuevo film que dirigirá Steven Spielberg y que ha sido escrito además por Drew Goddard adaptando la épica novela de Daniel H. Wilson. Nos adelantan en Deadline.com que el costoso proyecto podría acabar contando con la producción no solo de Dreamworks, si no que también de la 20th Century Fox, lo que supondría un nuevo acuerdo entre dos de los grandes estudios que dominan hoy en Hollywood. Con fecha de estreno prevista para el 4 de julio de dentro de un par de años, Robopocalypse contará como la humanidad debe hacer frente a un levantamiento robótico que amenaza con provocar el Apocalipsis entre todos nosotros. Para despedirme por hoy os remito a MTV Movies para ver como Michael Shannon, el General Zod en Man of Steel (2013) de Zack Snyder ha confirmado algo que se esperaba… el gran villano de Superman (Henry Cavill) será creado parcialmente por CGI, o al menos su traje. Vamos, Warner Bros. lo tiene claro y sigue confiando en la técnica utilizada en Green Lantern (2011) de Martin Campbell. No es que Shannon adelante mucho pero reconoce que hasta cierto punto no le apetecía vestir el traje de mocap porque le hacía parecer ridículo… todo eso quedó en nada cuando descubrió que no era el único. En The Moviefone Blog recuperan en texto parte de la entrevista.

Nuevo cartel promo de Acero puro

Sigo aprovechando el momento Labor Day en los USA, y una previa meditación, para ponerme manos a la obra con una merecida opinión sobre el último film de Pedro Almodóvar, La piel que habito (2011), película que podría decirse encaja como un guante en géneros tan peculiares como la ciencia ficción, tenue, el terror, psicológico, o el arte de lo grotesco. Es curioso ver como las inquietudes narrativas de Almodóvar, y sus deseos por llevarnos a los extremos sociales más variopintos, ven en La piel que habito la justificación más adecuada para ser utilizados. No lo voy a negar, pero soy de esos que en su búsqueda de abstracción total ve en la filmografía de Almodóvar demasiada explotación de detalles de esta índole… aunque también debo reconocer que mucho se debe a propios prejuicios que tengo contra el director manchego. Lo que si he de reconocer es que esta vez estos factores me han embelesado y sorprendido hasta quedarme estupefacto por lo inquietantes y brutales que resulta ser su utilización. La piel que habito es una película inquietante y aterradora, un viaje a la perturbada mente de su protagonista no exento de esa rareza que, por sumamente retorcida que parezca, acaba por atraparte y mantener enredado en su imaginativa trama, salida a su vez de la novela "Tarántula" de Thierry Jonquet. Pero ojo, tanto para detractores como para incondicionales, y como todo cine de Almodóvar, la obra posee esos clásicos detalles que por grotescos y fuera de lugar acaban por servir para dar un respiro a una historia que no deja para nada indiferente por su malsana osadía y resultado.

Póster de La piel que habito

Robert Ledgard (Antonio Banderas) es un eminente cirujano plástico que tras el fallecimiento de su esposa en un accidente de tráfico, acabó completamente desfigurada por el incendio que se produjo tras el choque, ha decidido investigar la forma de evitar estos terribles dramas en las vidas de muchas familias. Tras varios años de trabajo casi en la clandestinidad, y de manera no muy ortodoxa, Ledgard crea una piel que podría haber evitado la muerte de su mujer. Ya solo le quedar dar un paso… probarla en seres humanos. En medio del fregado se encuentra Vera (Elena Anaya), una paciente que vive atrapada en la ahora carcelaria clínica que Ledgard posee en Toledo.

Debería flagelarme por lo que voy a decir, pero todavía sigo sorprendido por el genial trabajo que ha hecho Almodóvar con la obra de Jonquet manteniendo de paso toda la esencia de su particular cine y entrando a su vez en un universo desconocido y arriesgado que no siempre resulta fácil de manejar. Los giros inesperados, las mil y una transiciones en el tiempo que van encajando las piezas de una figura que parece no casar o las inconfesables sorpresas, todo en La piel que habito es bueno y más si de paso recuperas para un papel memorable al bueno de Antonio Banderas, actor referente de nuestro cine que lleva perdido en la marea de Hollywood desde hace ya unos cuantos años y que no apuntaba a resurgir si no fuese gracias al buen hacer de Almodóvar, creador al que de paso le debe su vida cinematográfica. Junto a estas grandezas, el film se completa con notables detalles como las interpretaciones de Elena Anaya y Jan Cornet, los singulares y muy grotescos personajes en los que se enfundan Roberto Álamo y Marisa Paredes, o la inmensa música de Alberto Iglesias, menudos instantes hitchcocketscos y desquiciantes. El resultado merece mucho la pena y dejará con diferentes sabores de boca a todo aquel que se anime a disfrutarla… o padecerla, porque según quien la vea será una delicia o un tortuoso viaje de difícil digestión.