Todavía tengo guardadas varias mini reviews del pasado Festival de Sitges 2013, y conforme las películas llegan a los cines, o según me dé el aire, pues opto por sacarlas a la luz. Dado que el fin de semana viene ligerito, aprovecho la jornada para hablar de El viento se levanta (Kaze tachinu / The Wind Rises, 2013) de Hayao Miyazaki y los Estudios Ghibli. El supuesto último film de este maestro de la animación, muchos han sido los tildados con este adjetivo y al final siempre encuentra razones para ofrecernos un capítulo más en su impresionante carrera, es algo completamente diferente a todo lo que ha realizado hasta el momento. Alejado del enfoque más "familiar" con el que han llegado todas sus anteriores producciones – Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro, 1988), Nicky, la aprendiz de bruja (Majo no takkyûbin, 1989), El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001) o Ponyo en el acantilado (Gake no ue no Ponyo, 2008) por poner un ejemplo -, El viento se levanta es un nuevo homenaje a una de sus pasiones, la aviación, y un film vital sobre las personas, sus ilusiones, los retos y en el fondo, una parte importante y singular de la historia de Japón.

Contar la vida de Jiro Horikoshi, el diseñador del conocido Zero, el avión que trajo de cabeza a los aliados en la Segunda Guerra Mundial, ha levantado ciertas ampollas en según que partes del mundo por ese tratamiento político / pacifista de algo que en el fondo, seamos realistas, no lo acabó siendo. Pero la realidad es otra, aquí se cuenta la vida de Horikoshi, desde su infancia cuando en sueños hablaba con el diseñador aeronáutico italiano Giovanni Battista Caproni, de su apuesta vital por este estudio, de los malos momentos tras el terremoto de Kanto, la Gran Depresión que sufrió el país, su vida y relaciones personales, y la definitiva entrada del país en esa segunda gran guerra. Este aspecto realista, estamos ante una película de animación que podría ser perfectamente narrada en acción real, aleja la obra de un buen grupo de público, los peques, y seguramente de algunos fans del Miyazaki que no verán en El viento se levanta esa continua fantasía que pueblan todas sus obras.

Pero todo esto debería dar igual. Estamos en definitiva ante una nueva obra maestra visual, impecable, detallista, elaboradísima y magnífica en infinitos aspectos. Agotadoramente técnica, debe serlo, pero no exenta de vitalidad y humanidad como es obligado en la obra de este director. Hay espacio para todo, para conocer en detalle la evolución de la aeronáutica en Japón siempre en manos de Jiro Horikoshi, pero también para conocer sus relaciones familiares, complejas y tristes, y de amistad. Y a la habitual y excelsa técnica de la animación del Estudio Ghibli debemos sumar nuevamente el trabajo de Joe Hisaishi que pone como es menester la música al film, y algo más. Ese algo más está muy presente en los oníricos encuentros entre Jiro y Caproni, pero también en los momentos de caos del terremoto de Kanto o siempre que se enciende un motor de avión. El uso de voces, sonidos guturales, soplidos, etc. para dar vida a todos los efectos sonoros es algo tan inesperado como fabuloso y merecedor de sus disfrute.

En fin, si podéis verla hacedlo, vale la pena pese a la triste distribución que ha tenido, y que por otro lado es algo de agradecer a la gente de Vértigo si tenemos en cuenta las pocas oportunidades que tenemos de ver la obra de Miyazaki en pantalla grande. Y ojo, que somos afortunados si nos comparamos con el mundo en general.

Uno de los carteles de El viento se levanta

Y más Sitges, turno de la mini review de The Congress (2013) de Ari Folman, el director del multipremiado documental Vals con Bashir (Vals Im Bashir, 2008), que se adentra en una película personal y muy cinematográfica pero particularmente psicotrópica protagonizada por una Robin Wright que desnuda su alma en uno de los primeros actos más emocionantes del cine, merced mucho de ello a un speech que se gasta Harvey Keitel y que, por muy duro que seas, te logra sacar más de una lágrima. A partir de ahí Folman, que adapta "Congreso de Futurología" de Stanislaw Lem, el autor de "Solaris", nos hace dar un salto de fe a una continuación de los hechos pasados que se tornan en una extraña historia sobre la desesperación por recuperar la identidad perdida, o vendida, en un mundo animado que recuerda en muchos aspectos al hiperactivo y grotesco universo del Tex Avery más descarriado. Visualmente única con una animación repleta de iconos que al igual que Robin Wright se han dejado convencer por la muerte del género humano en pos de una sociedad que prefiere vivir colocada y permanentemente imaginando. Muy extraña.

Cartel de The Congress de Ari Folman

Momento de continuar con ese recorrido a destiempo por todo lo que vi en el pasado y añorado Festival de Sitges 2013. Es el turno de Enemy (2013) de Denis Villenueve, adaptación de la obra José Saramago "El hombre duplicado", habrá que leérsela porque el film de Villenueve descubre, al menos en mi caso, una historia bastante alucinante que nos traslada a un momento cualquiera en la vida de una persona normal y corriente… pero un momento impensable y bastante grotesco. Adam (Jake Gyllenhaal) es un profesor de universidad que tiene una vida como la que podemos tener todos. Vive en un piso medio, tiene una pareja con la que pasa mejores y peores momentos, la adorable Mélanie Laurent, y pasa su tiempo entre sus complejas clases repletas de debates sobre patrones y el salón de su casa. Pero todo cambia el día que decide alquilar una película de DVD. En ese momento el espectador es invitado a disfrutar de uno de los thrillers más extraños y perturbadores del momento. Una historia paciente, inquietante, un doble juego grotesco pero altamente enigmático y atrayente. Tan extraña es que la disfrutas, le das vueltas a la cabeza, tratas de ponerse en la situación de Adam incluido ese coitus interruptus que te deja con cara de WTF pero que hace que el resultado final sea más impensable y maravilloso de lo que uno hubiera imaginado al comenzar la película. De lo que más me gustó del festival de este año.

El único cartel de Enemy que ronda por la red

Regreso con otra opinión de Sitges 2013 por eso de rellenar medianamente el domingo, y la confirmación de que hay días en los festivales de cine que pueden ser destructivos mentalmente hablando. Bajo el título L’Etrange Couleur des Larmes de ton Corps (2013), film francés de Hélène Cattet y Bruno Forzani, se esconde un giallo sin pies ni cabeza. Otra obra puramente alucinógena, que recuerda a los mejores viajes por la distorsión sonora y de imágenes italiana, sobre un tipo que llegado a su casa descubre que su mujer ha desaparecido. A partir de ahí, y a modo saltos sin mucho sentido, vemos el pasado de la casa, el pasado del protagonista y el presente. Cuesta dios y ayuda situarse en cada caso y distinguir quién es quién es este batiburrillo sonoro donde abundan los gemidos, los pezones, las navajas y las escenas modo caleidoscopio que levantan dolor de cabeza. La verdad, ni se os ocurra invertir vuestro tiempo en esto si no queréis acabar con el coco taladrado. No se me ocurre qué más contar porque aunque la aguanté de principio a fin acabé superado por el ruido, los chirríos, las imágenes desconcertantes y una lista de personajes a los que se les debería dar de comer por separado. Como ya dije por twitter… mierdaca pura!

Otro film de lo que destaca es el cartel. Precioso

Otra de las tristes sorpresas del festival de este año. Infumable y extremadamente lisérgica este sorprendente intento cinematográfico de Ben Wheatley, impensable el cambio de registro plasmado por el director de las muy notables Kill List (2011), Sightseers (2012) y que ahora se introduce en el universo de "Doctor Who" (2005-¿?). En mi caso, y pese a la defensa a ultranza otorgada hacia la película en otros sitios, no le encontré ningún sentido a este periplo por una especie de purgatorio artístico en la Guerra Civil Inglesa. Un grupo de soldados, entre los que hay un alquimista, desertan de la guerra y tras juntarse acaban siendo obligados por un señor de alta alcurnia a buscar un tesoro secreto supuestamente escondido en un pedazo de tierra de la campiña inglesa. Setas alucinógenas, a puñados, un tronco cubierto de runas y otras cosas muy raras acabarán minando la moral del grupo y poniendo a prueba su cordura. Horripilante es poco, cansina con momentos que desafían la mente del propio espectador como las variopintas interpretación in situ de cuadros a modo "La rendición de Breda" de Velázquez. La verdad, en estos momentos sigo sin comprender la película.

Sin lugar a dudas lo mejor de A Field in England… el póster

Una de las sorpresas de Sitges 2013. El director de origen catalán Pablo Larcuen, con poco más de 14.000 euros y un iPhone 4S, los de Apple estarán encantados con este tipo de anuncios gratuitos de la marca, se saca de la manga una curiosa y llamativa incursión en el cansino género del "metraje encontrado" pero, sorpresa, logra realizar una película bastante completa, entretenida y que cumple notablemente pese a los pírricos medios que ha tenido a su disposición, aunque hay que reconocer esos si que la post-producción ha ayudado, casi tanto como el apadrinamiento del cada vez más instaurado en Hollywood Jaume Collet-Serra. Un par de estadounidenses ansiosos de mojar el churro, sobre todo uno de ellos, se van de viaje veraniego a la Barcelona más internacional y fiestera… craso error señores. En modo gamberro y pasados de rosca gracias a mililitros de alcohol, como les gustas emborracharse con chupitos a estos de los EE.UU., ven su oportunidad en dos chicas de la ciudad que aparentemente aceptarán participar en sus aventuras carnales. Pero lo que promete ser una noche de bunga bunga se torna en una gamberrada de muy señor mío donde la inacabable batería de un iPhone, quizás el elemento más imposible de la aventura de Larcuen, quedará como único legado del paso de estos jóvenes made in USA por la ciudad condal. Sorprendente buen ritmo, pasables interpretaciones, no es lo mejor pero lo compensa, toques de humor y mucha mala leche para una película entretenida que pone a Larcuen en la buena senda. La verdad, si con estos mimbres ha logrado hacer Hooked Up habrá que estar atento a lo que pueda hacer con medios más suntuosos… igual logran confirmarse como un realizador al que seguir la pista. Merece la pena echarle un vistazo para descubrir lo mucho que se puede hacer con tan poco…

Primer póster de Hooked Up de Pablo Larcuen

Aquí estoy con una review que adelanto dentro de la secuencia cronológica que sigo con las opiniones de Sitges 2013 ya que hay que aprovechar que se estrena este fin de semana Insidious: capítulo 2 (Insidious: Chapter 2, 2013). Además, me sirve para recordaros que desde ayer, y hasta mañana domingo a las 20:00, está activo el Octogésimo Concurso Uruloki: ni que farolillo ni que niño muerto, Insidious: Capítulo 2, así que venga, no perdáis la oportunidad.

Aunque resulta curioso como al otro lado del charco, y parte de este, la están poniendo de vuelta y media… no se puede negar que la nueva incursión de James Wan en el género que por ahora mejor se le da es cumplidora, fiel y entretenida. Vale que no innova ni ofrece nada sorpresivo si la comparamos con su simpática predecesora, pero aun así logra su cometido… entretener y meterte el susto en el cuerpo. Además, hay que reconocer que tampoco le ayuda que en la memoria de los espectadores compita con esa joya del propio Wan estrenada hace pocas semanas que responde al título de Expediente Warren: the conjuring (The Conjuring, 2013), y que es probablemente sea ya una de las mejores películas de terror de los últimos años. Pese a ello Insidious: capítulo 2 alcanza su objetivo y mucho se debe a esa curiosa apuesta, no creo que frecuente en el género, por continuar de forma inmediata los acontecimientos iniciados en Insidious (2010), lo que sirve para que Wan juegue un poco con todos nosotros estableciendo situaciones entre los dos films que nos obligan, si disfrutamos con la primera parte, a revisar instantes puntuales que podrían justificar determinadas acciones tomadas… vamos, que se la juega corriendo ese habitual riesgo de los films de ciencia ficción con diversas líneas temporales donde se puede romper la coherencia de los acontecimientos. En fin, en esta ocasión, y tras probar con otros guionistas, Wan se une nuevamente a su viejo y habitual colaborador Leigh Whannell para elaborar un libreto sencillo, efectivo y que de nuevo deja de lado lo llamativamente visual apostando más por el golpe de efecto, el susto sonoro, lo etéreo y fantasmagórico. Puede que en ese aspecto tuviera más gracia Insidious, por ello de los homenajes y esa apariencia muy 70’s / 80’s, pero la lógica obligaba a seguir la línea definida ya que el cambio si que hubiera sido inexplicable y totalmente injustificado. Por el resto la película vale la pena, aunque haya sido pensada para un espectro de espectadores mayor que la irán a ver tras el éxito de su primera parte, es más mainstream, Wan es fiel al género siendo Insidious: capítulo 2 una película digna y, esto quizás sea lo que no me ha convencido, justificado cierre a los acontecimientos acaecidos en su parte previa. No se por qué muchos cineastas se esfuerzan por explicar todo, sea necesario o no.

El cartel español de Insidious: Capítulo 2

No soy de los que se van de la sala pese a las basuras que se estrenan y con Real (2013) de Kiyoshi Kurosawa no me faltaron la ganas. Tediosa hasta el extremo esta historia de una dibujante de manga que tras entrar en barrena trata de suicidarse. Aunque fracasa en su intento la joven acaba en coma, aunque su estado no se debe a algo físico si no más bien mental. Atrapada en ese mundo su pareja, y con ayuda de un sofisticado sistema de introspección, se colará en su subconsciente para intentar ayudarla a salir de su catatonia. Traumas del pasado irán aflorando al tiempo que en cada viaje a la mente de su pareja el joven va descubriendo que no todo es lo que parece y que algún que otro significativo secreto le irán haciendo ver la verdad de la situación a la que se enfrenta. Pues si, un peñazo increíble, insufrible y que no ayudó en nada a mantenerse firme ante los brutales ataques de Morfeo. Con una factura horrible, y con un desenlace de esos que lo flipas, Real pasa a formar parte de la lista de grandes cagadas del Sitges 2013 que por ahora solo contaba con la patética The Jungle.

Cartel de esta castaña titulada Real

Violenta, silenciosa, paciente y cargada de color. Así es Sólo dios perdona (Only God Forgives, 2013), film que se toma su tiempo para contar una atroz historia cargada de sensaciones extremas aderezadas por la miseria y prostitución de los barrios bajos de Bangkok, las corruptelas policiales, el neón y mucho karaoke. Pocas palabras hacen falta en una película que habla por su imagen, su color y la sangrante y desagradable verborrea del personaje encarnado por Kristin Scott Thomas. En medio Julian, un Ryan Gosling que no suelta prenda salvo para pedir un "wanna fight", obligado por su grotesca madre a clamar venganza tras la muerte de su hermano Billy (Tom Burke), traficante pedófilo que hacía su agosto en los suburbios de la ciudad protagonista hasta que se cruzó en el camino de Chang (Vithaya Pansringarm). Fantástico trabajo de fotografía el de Larry Smith, gracias al cual no se necesita de mucho charla, al que sumamos la música, nuevamente sobresaliente de Cliff Martinez, miradas, momentos y acciones. La verdad, la han puesto de verano en todos los festivales habidos y por haber, pero a mi me ha encantado, será que disfruto con las extravagancias cinematográficas de algunos… en este caso el film de Nicolas Winding Refn me parece nuevamente notable.

Cartel molón de Sólo dios perdona

Casi en paralelo a la magnífica Wrong (2012), presentada por estas mismas fechas en Sitges, el músico / director Quentin Dupieux a.k.a. Mr. Oizo se adentró por segunda vez en ese universo de lo raro y rodó Wrong Cops (2013), una especie de extensión alternativa al mundo presentado el año pasado donde la policía no tiene donde caerse muerta y, por lo tanto, en lugar de ayudar al prójimo se dedica a llevar a cabo toda esa paleta de delitos que en nuestra sociedad hacen las cabezas más descarriadas. En Wrong Cops la policía trafica con drogas, acosa a la gente, no va a trabajar, roba, asesina y saca provecho de todo el que se le ponga por delante sin que nadie intervenga para remediarlo ya que, en el fondo y visto el mundo de Dupieux, no hace falta. Nuevamente su director / guionista elabora un producto extremadamente surreal en donde conocidos del director como Mark Burnham, el gran Eric Judor, Steve Little o Eric Warenheim, hacen cosas tan grotescas como traficar con drogas usando ratas como lugar para ocultar las papelinas, componer música electrónica acompañados de críticos musicales al borde de la muerte o vivir obsesionados con las tetas de las mujeres, con la natural búsqueda de su visionado al precio que sea. Dado lo disfuncional del conjunto final el espectador, y como ocurriera con Wrong, debe hacerse a la idea de que lo que va a ver es un completo sinsentido, del que debe reírse y que solo sirve para pasar un buen rato en un mar de incoherencias y rarezas. Solo así podrá disfrutarse, en caso contrario, y como no tiene ni pies ni cabeza, resultará ser un fiasco. Atención a los cameos, igualmente inclasificables, de Marylin Manson o el robocopiano Ray Wise. Ojo, para dejarnos claro que esto es la versión "Cops" (1989-¿?) de Wrong tenemos una brevísima aparición de Jack Plotnick (Dolph Springer)… desconozco si en ese momento busca a su perro o no.

Inclasificable cartel de Wrong Cops, solo verlo perturba!